Тот, у кого серебряная кожа

Погребальная маска Псусенна I

🔵 Погребальная маска Псусенна I

Маска Псусеннеса I — золотая погребальная маска фараона Псусеннеса I (1047-1001 гг. до н.э.) XXI династии. Она была обнаружена французским египтологом Пьером Монте в феврале/марте 1940 года в некрополе Танис и в настоящее время хранится в Египетском музее в Каире.

В царских захоронениях Таниса были найдены в общей сложности четыре погребальные маски, все сделанные из золота, принадлежавшие фараонам Псусеннесу I (эллинизированный вариант оригинального египетского Пасебакенниута), Аменемопе (1001-992 гг. до н.э.), Шешонку II (887-885 гг.). до н.э.) и генерал Уэндджебауендджед (современник Псусеннеса I).

15 февраля 1940 года Пьер Монте нашел погребальную камеру Псусеннеса I и вошел в нее 21 февраля в присутствии короля Египта Фарука I. Чтобы добраться до саркофага фараона, пришлось снять огромную гранитную глыбу.

Открыв большой саркофаг из розового гранита (украденный из гробницы Меренптаха, преемника Рамзеса II), археологи обнаружили величественный гроб фараона, сделанный из цельного серебра, частично поврежденный влажностью Таниса. Вокруг саркофага находились ушабти.

В Древнем Египте серебро было дороже золота, потому что его было меньше. Нетронутая мумия фараона была украшена различными драгоценностями (30 колец, 22 браслета), напальчниками, амулетами, сандалиями и плащом, все сделано из золота.

Маска, на ныне превратившейся в скелет мумии Псусенна I, является самой сложной и богатой среди найденных на этом месте и второй по величине среди египетских погребальных масок, сохранившихся до наших дней, после знаменитой Маска Тутанхамона трехсотлетней давности, на которую он похож.

Однако Древний Египет в 11 веке до нашей эры был значительно менее богатым и могущественным. В то время как на маске Тутанхамона на задней стороне нагрудника есть иероглифические надписи с главой из Книги Мертвых, на маске Псусеннеса I их нет.

Кроме того, стекловидная паста и вставки из лазурита присутствуют только на глазах и бровях, не выделяя ни полос церемониального платка немеса, ни линий накладной бороды, ни деталей большого урео на лбу фараона.

По сравнению с несколькими килограммами золота, использованными в первой маске, маска Псусеннеса была сделана из листа золота толщиной менее миллиметра (0,6 мм), а украшение почти полностью выполнялось через разрез. Аура и накладная борода были вырезаны отдельно и применены позже. Художник придал лицу фараона идеализированный юношеский вид, сильно отличающийся от реального облика Псусенна I, реконструированного по черепу, на котором был изображен восьмидесятилетний мужчина, страдающий артритом, с разрушенными зубами.

Из-за более влажного и дождливого климата залежи в Нижнем Египте не так обильны, как в Верхнем Египте, чья сухая и пустынная среда позволяет сохранять скоропортящиеся материалы, которые обычно не сохраняются, такие как дерево, кожа, текстиль, папирус, еда и даже мумии.

Однако, несмотря на их меньшее богатство, три царские гробницы Таниса — единственные, которые были обнаружены практически нетронутыми, не считая гробницы Тутанхамона.

Несмотря на важность открытия, начало Второй мировой войны привело к тому, что оно осталось практически незамеченным, в отличие от более разрекламированного открытия Говарда Картера.

Серебряный саркофаг Псусеннеса I,
Каирский музей

Золотая погребальная маска фараона Псусеннеса I

Золотая погребальная маска фараона Псусеннеса I

Три Брейгеля

Питер Брейгель Старший, «Охотники в снегу зимой»

На самом деле их было шесть — фламандских живописцев эпохи Возрождения из большого семейства Брейгелей — два Питера, два Яна, Амбросий и Абрахам. И был еще Давид Тернис Младший — художник известный и одаренный, но вошедший в семью Брейгелей со стороны, женившись на дочери Яна Брейгеля Старшего. А мы посмотрим поближе на творчество основателей династии.

➡️ Питер Брейгель Мужицкий (ок. 1525 - 1569)

Как ещё его можно называть: Питер Брейгель Старший. Первый биограф художника Карел ван Мандер также сообщает, что современники называли Брейгеля Питер-шутник.

Кто он: основатель династии Брейгелей, автор таких шедевров, как "Охотники на снегу", "Крестьянская свадьба", "Вавилонская башня". Отец Адского и Бархатного Брейгелей. Самый выдающийся художник в этой династии.

Почему Мужицкий: потому что писал простых крестьян, с их грубыми привычками, простыми занятиями и низким юмором (последний запечатлён во всей красе в картине "Нидерландские пословицы"); потому что сам не стеснялся показывать эти грубые моменты простой жизни (например, на многих его картинах люди справляют нужду); возможно, ещё и потому, что сам был крестьянского происхождения - но это нам доподлинно неизвестно, как и многое другое в биографии Питера Брейгеля Старшего (Мужицкого).

Фрагмент картины «Нидерландские пословицы». Здесь, вероятно, зашифрованы две: «Бегать, как будто задница горит! (быть в беде, искать срочное решение проблемы - и «Поедающий огонь испражняется искрами» (опасные затеи имеют соответствующие последствия).

➡️ Питер Брейгель Адский (1564 - 1638)

Питер Брейгель Младший (Адский). «Зимний пейзаж с конькобежцами и ловушкой для птиц». 1615-1620.

Как ещё его можно называть: Питер Брейгель Младший

Кто он: сын Питера Брейгеля Мужицкого и старший брат Яна Брейгеля Бархатного

Ему было около 5 лет, когда умер его гениальный и очень популярный у коллекционеров отец. Питер Брейгель Младший и его мастерская занимались преимущественно производством копий картин Брейгеля-отца: исследователи говорят, что только картина "Зимний пейзаж с конькобежцами и ловушкой для птиц" была повторена не менее 200 (двухсот!) раз. Это не были подделки. Во-первых, Брейгель-сын не подписывал работы именем отца: всем было понятно, что это копия. Во-вторых, в то время создание копий не считалось постыдным занятием. Обычное удовлетворение покупательского спроса.

Встречаются и самостоятельные, не копирующие отцовские, работы Питера Брейгеля Младшего (Адского). Например, эта:

Питер Брейгель Младший. Бобовый король («Король пьет!»). 1620.

Почему Адский: по ошибке! В 19-м веке Питеру Брейгелю Младшему приписывали работы Якоб ван Сваненбурга, первого учителя Рембрандта. Вот у ван Сваненбурга, который подражал Босху, как раз очень много адских сцен, а у Брейгеля - хоть у отца, хоть у сына - всё больше про глупое и грубое, иногда страшное, но про здешнее, наше, земное, а вовсе не про адское. Сейчас уже разобрались - и Питера Брейгеля Младшего Адским называют всё реже.

Художник перекрашивает кукол в более реалистичный вид

Куклы — любимая игрушка, и большинство детей любят с ними играть, хотя иногда люди переносят свою любовь к куклам во взрослую жизнь и так и не перерастают из них. Сегодня довольно модно воссоздавать кукол и перекрашивать их лица, чтобы они выглядели более детально и реалистично, и именно этим и занимается испанский художник Хосе Франсиско Сересо Ролдан.

Хосе снимает макияж, который наносят кукольные компании, и рисует свою прекрасную версию. Ему нравится создавать знаменитостей и персонажей из телешоу, книг и фильмов. Художник делает кукол больше похожими на людей, а не на большеглазых мультяшек с нереалистичными пропорциями.

Художник обычно превращает кукол в знаменитостей или известных персонажей поп-культуры, кино и сериалов. Кажется, ему очень нравятся поп-звезды, особенно Бритни Спирс и Бейонсе, поскольку на его странице мы видим много кукол, похожих на них. Есть также много версий Кхалиси, персонажа из «Игры престолов». Самая популярная из них – Белая Королева Энн Хэтэуэй из «Алисы в стране чудес». Хосе действительно хорошо умеет передавать сходство людей, и обычно довольно легко узнать, кто это.

Кем была Белоснежка? Когда старые истории и настоящие женщины объединяются

Роланд Риссе (Германия, 1835) — «Белоснежка»

Одна из самых известных басен, вариации Белоснежки встречаются в более чем 400 версиях сказок по всему миру. Самая известная версия на самом деле называется «Подснежник» и взята из «Детских и домашних сказок братьев Гримм». Позже фольклорист Эндрю Лэнг изменил его до более привычного формата и в конечном итоге адаптировал Уолт Дисней.

💎 Самая прекрасная женщина

В этой версии королева пожелала ребенка, и родилась девочка; волосы у нее были темные, как черное дерево, а кожа такая светлая и чистая, что мать назвала ее Белоснежкой . После смерти королевы ее отец женился на тщеславной и злой женщине, которая стояла перед волшебным зеркалом и спрашивала, кто самая прекрасная женщина в стране. Зеркало всегда отвечало: «Моя королева, ты прекраснейшая из всех», пока однажды не пришел ответ, который привел ее в ярость: Белоснежка теперь была самой прекрасной женщиной на всей земле.

Иллюстрация Франца Юттнера «Шнеевитхен» («Белоснежка»)
1910 года

Мачеха Белоснежки, разгневанная тем, что рассказало ей зеркало, приказала охотнику отвести ее в лес и убить, взяв в качестве доказательства сердце девочки. Но охотник сочувствовал Белоснежке и отпустил ее, принеся вместо этого Злой Королеве сердце оленя. Белоснежка пришла к небольшому коттеджу и, чувствуя себя утомленной, рухнула на одну из кроватей и заснула глубоким сном. Когда она проснулась, семь гномов смотрели на нее сверху вниз. Они сказали Белоснежке, что она может остаться с ними, пока будет убирать и готовить.

Белоснежка с гномами:
Иллюстрация Карла Оффтердингера
конца XIX века

Белоснежка и гномы жили в согласии, пока однажды волшебное зеркало не сообщило Королеве, что Белоснежка жива и по-прежнему самая прекрасная из них. Королева переоделась старухой и подарила Белоснежке отравленное яблоко. Откусив яблоко, Белоснежка потеряла сознание. Гномы, посчитав, что она мертва, соорудили стеклянный гроб и поместили ее внутрь.

Однажды мимо проходил прекрасный принц и увидел Белоснежку в гробу. Он мгновенно влюбился в нее и убедил гномов позволить ему взять гроб, чтобы он мог устроить ей достойные похороны. Когда он и несколько других мужчин несли гроб, они споткнулись о корни деревьев, в результате чего отравленное яблоко выпало из горла Белоснежки. В мультфильме принц убедил гномов позволить ему поцеловать ее в последний раз — эта версия стала самой популярной. Она проснулась, и принц признался ей в любви. Они поженились и, как во всех сказках, жили долго и счастливо.

Белоснежка т принц:
«Они жили долго и счастливо»

💎 Множество других сказок

Эта сказка на самом деле представляет собой множество других историй, смешанных вместе, самой старой из которых является история «Молодой раб» Джамбаттисты Базиле, которая также породила «Спящую красавицу», но наибольшее влияние оказали «Золотое дерево и Серебряное дерево» и «Мария, злая мачеха и семеро разбойников».

В «Золотом дереве и серебряном дереве» был царь, у которого была жена по имени Серебряное дерево и дочь по имени Золотое дерево. В один день Золотое Дерево и Серебряное Дерево пошли в лощину, где был колодец, в котором обитала волшебная форель. Королева спросила рыбу, самая ли она красивая королева в мире, на что форель ответила, что нет, что это будет ее дочь — Золотое Дерево. Сильвертри пошёл домой, ослепленный от ярости. Она легла в постель и поклялась, что никогда не выздоровеет, пока не съест сердце и печень Золотого Дерева. Король вернулся домой, услышав известие о том, что его жена прикована к постели, и когда она потребовала печень и сердце их дочери, он женил Золотое Древо на принце, который только что прибыл просить руки принцессы, и отправил ее далеко. Вместо этого он отдал своей жене органы козы.

«Хочу поговорить с волшебной форелью».
Иллюстрация 1892 года из сказки Джона Д. Баттена
«Золотое дерево и серебряное дерево»

Следующая часть басни Белоснежки произошла из сказки « Мария, злая мачеха и семеро разбойников ». После того, как злая мачеха вынудила Марию покинуть дом, она бродила по лесу, пока не наткнулась на коттедж, в котором жили семь грабителей. Вместо того, чтобы причинить вред молодой девушке, они позволили ей жить с ними в качестве их сестры, повара и домохозяйки. Когда мачеха узнала, что Мария еще жива, она подарила девочке проклятое кольцо, из-за которого его владелец упадет замертво.

И, наконец, последняя часть истории была основана на сказке «Хрустальный гроб», которая в значительной степени говорит сама за себя.

Анри Руссо – художник тропических картин

Анри Руссо, «Спящая цыганка, (1897)

Художник Анри Руссо прославился своими наивными тропическими картинами, такими как «Тигр в тропическом шторме» (1891). Из-за своей прежней работы на парижской таможне он был известен под прозвищем «Ла Дуанье Руссо», что переводится как «сборщик пошлин». Сегодня мы будем изучать биографию Анри Руссо, а также известные образцы картин Анри Руссо.

Несмотря на свои надежды стать известным академическим художником, Анри Руссо в итоге оказался прототипом наивного художника. Художник Анри Руссо был в основном самоучкой, и его работы отражали отсутствие у него формального образования с пренебрежением к точным пропорциям, одноточечной перспективе и использованию ярких, иногда ярких цветов.

нри Руссо родился в бедной семье в Лавале на северо-западе Франции. Его отец испытывал долгосрочные финансовые проблемы, накопив достаточно долгов, чтобы в 1851 году был конфискован семейный дом. Затем Анри поступил в качестве пансионера в среднюю школу Лаваля, где оставался до 1860 года. Помимо получения наград в области музыки и рисования, он был обычный учёный. В 1861 году семья переехала в Анжер, где Руссо работал бухгалтером у муниципального судебного пристава. Он уклонился от призыва, но в итоге поступил на службу в пехотную часть, чтобы избежать конфуза после того, как работодатели обвинили его в воровстве.

Годы его активной службы во Франции были ничем не примечательны, но он часто преувеличивал сообщения о своих военных подвигах.

Фотография Анри Руссо в 1907 году, сделанная Дорнаком

Один из его вымышленных подвигов включает подавление восстания против императора Максимилиана в Мексике, где он якобы подвергся воздействию тропической среды, которая впоследствии повлияла на его произведения искусства. В 1868 году Руссо женился на Клеманс Буатар, своей первой жене. Только Джулия, одна из их многочисленных отпрысков, дожила до зрелости.

После увольнения из армии он получил работу по проверке предметов для дорожных властей, за что получил на всю жизнь прозвище «Ле Дуанье Руссо».

Во время пребывания там Руссо сделал свои первые наброски и полотна. Его происхождение как художника неизвестно, однако он утверждал, что начал рисовать в возрасте 40 лет, что совпадает с периодом, когда он получил разрешение копировать произведения искусства из Лувра. Руссо, возможно, мог практиковаться в рисовании в спокойные перерывы на работе, поскольку работал таможенником, что требовало лишь спорадических периодов внимания.

«Мальчик на скалах» (1895–1897) работы Анри Руссо, находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, США

Примечательно, что Руссо стремился к признанию Академии изящных искусств из-за своего восхищения такими художниками, как Вильям-Адольф Бугро и Жан-Леон Жером. Впервые он выставился в составе Группы независимых в 1885 году после того, как ему отказали в Салоне. Две работы, выбранные для выставки, демонстрируют его двойственность между современностью и традицией: « Итальянский танец» представляет собой тему, излюбленную академическими художниками, а «Закат» изображает тему, излюбленную импрессионистами .

В следующем году Группа независимых основала свой собственный Салон, и Руссо посещал его практически каждый год до своей окончательной кончины. В первый Салон Независимых был включен «Карнавальный вечер» (1886), более ранняя работа, которая уже раскрыла зрелый стиль картин Анри Руссо с их мечтательным характером и композиционной структурой.

Первая из его известных тропических картин «Тигр в тропическом шторме» (1891) была показана на выставке Indépendants в 1891 году.

Художник Анри Руссо посетил Париж в 1889 году на Всемирной выставке, что побудило его написать пьесу о своем опыте. Экспозиция также была использована в качестве фона в работе « Я сам. Портрет-пейзаж » (1890), которая была встречена критикой насмешками и презрением. Штатным художником он стал в 1893 году после досрочного ухода с таможни.

«Война» (1894), которую он показал в том же году в «Независимых», стала переломным моментом в его карьере. В издании «Mercure de France» он получил единственную на сегодняшний день положительную критику крупномасштабного аллегорического произведения искусства.

Оно также привлекло внимание Альфреда Жарри, писателя и поэта, который включил литографию войны в свое периодическое издание. В 1895 году Руссо создал изображение Джарри, которое Джарри впоследствии разбил ради удовольствия уничтожить свой собственный портрет. Руссо женился на вдове Жозефине Нури в 1898 году, через 10 лет после смерти его первой жены. Пытаясь добиться признания, он участвовал в двух конкурсах между 1898 и 1900 годами по перекраске ратуш Аньера и Венсенна, но в обоих случаях ему это не удалось.

«Веселые шуты» (1906) Анри Руссо, находятся в Художественном
музее Филадельфии в Пенсильвании, США

Тем не менее, он осознал, что его тропические картины получили некоторую известность благодаря освещению в средствах массовой информации, и вернулся к этой теме в 1904 году в фильме « Разведчики, атакованные тигром» . Его появление на выставке Indépendants вызвало множество положительных отзывов, вернув картины Анри Руссо в центр внимания. Примерно в этот период новое поколение художников открыло для себя Руссо, чьи работы, казалось, были тесно связаны с «примитивной» эстетикой, которая становилась модной среди многих энтузиастов авангарда.

Пабло Пикассо, Жорж Брак, Гийом Аполлинер и Робер Делоне были среди художников, с которыми он быстро познакомился.

Руссо встретил Вильгельма Уде, немецкого критика и коллекционера, в 1906 году. В последние годы своей жизни Уде оказал влияние на маркетинг картин Анри Руссо. Однако карьера Руссо была затруднена, когда в 1907 году он был заключен в тюрьму за банковское мошенничество. Некоторые из наиболее достоверных данных о художнике содержатся в серии посланий, которые он отправил судье с просьбой о его освобождении, которые приукрасили его характер и добродетели.

В 1908 году Уде устроил первую персональную выставку Руссо, которая оказалась неудачной. В том же году Пабло Пикассо купил «Женский портрет» (1895) в магазине подержанных вещей. Пикассо устроил ставшую легендарной вечеринку в честь своей покупки, что вызвало яркие письменные отзывы нескольких посетителей, в том числе Гертруды Стайн.

«Фламинго» (1907) Анри Руссо, находится в частной коллекции

Руссо восседал на троне, сделанном из стула, установленного на упаковочном ящике, а высокий гость внес свой вклад в празднование, исполнив вальс, который он сочинил и посвятил своей первой жене. Несмотря на свою репутацию среди сверстников, Руссо считался источником развлечений в мире искусства, и остаток своей жизни он провел в нищете.

Война, смерть и гнев богов: как игры сатиров помогали древним грекам справляться с жизнью

Сатир, играющий на свирели
(«Детство Юпитера», фрагмент), Якоб Йорданс, 1639.

До Шекспира были греки. Печально известная цитата «Весь мир — сцена», приписываемая елизаветинскому писателю XVI века, гораздо точнее описывает мир древнегреческой драмы. Древние использовали театр как способ исследования окружающего мира — как мира людей, так и мира богов. Именно с помощью драмы греки могли подвергать сомнению мотивы своих лидеров, обсуждать состояние богов и, конечно же, справляться с повседневными трудностями. Войны, такие как Персидская и Пелопоннесская войны, часто «обсуждались» на сцене метафорически, предоставляя зрителям сравнения, с помощью которых они могли понять свои собственные обстоятельства как города-государства, так и индивидуально. Чтобы дать краткую репризу обсуждения этих мрачных вопросов в драме, в качестве небольшого облегчения использовался сатир.

Аттическая краснофигурная пластина из Вульчи, Этрурия, датированная ок.  520–500 гг. до н. э., изображающая итифаллического сатира.

🔵 Похотливое происхождение сатира

Пьесы сатиров названы так в честь мифологических сатиров, сексуальных полукозлов-полулюдей, которые часто были частью окружения Диониса. Дионис, бог вина и экстаза (помимо прочего), считался у греков покровителем театра. Так, во время Великой Дионисии происходило соревнование драматургов, в ходе которого ставились новые трагедии — и, следовательно, сатирские пьесы. Эти пьесы сатиров получили название распутных друзей Диониса, потому что пьесы расслабляли публику посредством историй, столь же непристойных и непристойных, как и сами сатиры. Диониса часто изображают как бога, который снимает запреты, а его вино превращает даже самых благородных людей в безумных безумцев. Хотя это является большим преувеличением и упрощением того, кем был Дионис в религиозном смысле, сатиры почти всегда изображались пьяницами, пытавшимися изнасиловать нимф и смертных женщин.

Нимфы и сатир,
Вильям-Адольф Бужеро, 1873 г.

🔵 Спектакль сатирских пьес

Сами пьесы были мифологическими по содержанию и основывались на тех же эпических сказаниях или божественных историях, которые составили трагедии. Эти пьесы разыгрывались в том же пространстве, что и драмы: в открытом театре с сиденьями (каменными, деревянными или неукрашенной травой), возвышающимися вокруг сцены. Такая структура позволяла усиливать голоса во всем пространстве, а увеличивающаяся высота сидений позволяла всем зрителям видеть изображение, даже если оно было на расстоянии. Каждый участник носил гротескную маску (маски были свойственны античному театру), был одет в одежду, подобную той, что носил сатир, и хрипло разыгрывал тот миф, который был выбран для спектакля.

Орел принимает лысину за камень: странные обстоятельства смерти Эсхила

Бюст Эсхила, Заппейон, Афины
Иллюстрация смерти Эсхила

Эсхил, широко известный как «отец трагедии», был одним из первых великих классических афинских драматургов. Он поднял зарождающееся искусство трагедии на новую высоту поэзии и театральной мощи. Легендарный драматург написал более 90 пьес и половину из них выиграл на афинских фестивалях греческой драматургии. Однако, несмотря на все его театральные способности, благодаря своей весьма причудливой смерти он популярен в кругах современной поп-культуры. Его убийцами были два животных!

🔹 Жизнь и наследие Эсхила

Эсхил родился в знатной семье в Элевсине в 525 г. до н.э. Его первая «работа» была на винограднике, и именно его страсть и любовь к богу сбора винограда, виноделия и вина помогли ему открыть свое истинное призвание, чтобы внести свой вклад в недавно возникшую (в то время ) зрелища в честь Диониса. Словами Павсания Эсхил описал момент, когда он решил стать драматургом:

«Еще подростком его посадили смотреть за виноградом в деревне, и там он заснул. Во сне ему явился Дионис и велел обратить внимание на трагическое искусство. Проснувшись, он предпринял попытку и таким образом обнаружил в себе способности к драматическому сочинению».

Римская статуя Диониса второго века
по эллинистической модели, Лувр

Греческая трагедия обычно исполнялась на важных религиозных фестивалях, таких как Дионисия, где три драматурга написали по три трагические пьесы и пьесу сатира, чтобы побороться за приз. Эсхил сочинил свою самую первую трагедию, когда ему было двадцать шесть лет, но не смог получить премию. В этом отношении он не выиграет приз в Дионисии, пока ему не исполнится 40 лет.

Ожидая триумфа на театре, Эсхил храбро сражался в битве при Марафоне, где он отличился своим боевым мастерством и храбростью, а позже также примет участие в битвах при Артемисии, Саламине и Платее. Как ясно видно из его эпитафии, написанной им самим и начертанной на его памятнике жителями Гелы на Сицилии, где произошла его трагическая смерть, Эсхил больше гордился своими военными достижениями, чем драматическими. Надпись гласит,

«Эту могилу скрывает прах Эсхила,
сына Эвфориона и плодотворная гордость Гелы;
Как испытал свою доблесть Марафон, может рассказать
И длинноволосый Мидянин, который слишком хорошо это знал.

Бюст Эсхила

🔹 Нововведения Эсхила

Говорят, что Эсхил написал более 90 пьес, но сохранились только семь. Тем не менее, из его сохранившихся произведений мы узнали очень важные вещи, например, тот факт, что Эсхил был новатором в развитии трагедии. Пока его творчество не приобрело популярность, трагедии были ограничены определенными условностями: тема была почти исключительно мифологической - с элементами религии и семейных дел - количество актеров, исполняющих говорящие роли, было крайне ограничено, хор состоял максимум из 12-15 певцов, и все актеры были мужчинами в масках.

Патронаж во Флоренции XV века: дворцы, часовни, произведения

Патронаж во Флоренции XV века

Флоренция пятнадцатого века изобиловала богатыми покровителями, и даже сегодня город все еще хранит важные следы их подвигов. По каким причинам? Почему было так много покровителей? И что они оставили после себя?

В 1472 году во Флоренции было больше резчиков по дереву, чем мясников . Мы знаем это из Хроники Бенедетто Деи , в которой за этот год перечислены 84 магазина «резчиков по дереву и нтальятори» по сравнению с 70 беккаи (точнее, мясниками), 66 магазинами аптек, а затем снова 270 шерстяными магазинами. мельниц, 83 шелковых фабрики, 54 магазина скульпторов и резчиков по камню и всего 8 торговцев птицей и дичью, при населении в 70 тысяч жителей. Художников же насчитывалось около 40, но число могло быть и больше, поскольку они не имели своей гильдии и поэтому не были официально зарегистрированы. Это цифры, которые передают образ города , который живет искусством , где искусством дышат повсюду, где искусство является социальной практикой высочайшего порядка, где оно имеет значение, которое можно считать равным значению политики, экономики и экономики. военный аппарат. Прогулки по улицам исторического центра тосканской столицы достаточно, чтобы понять, как великие меценаты 15 века формировали облик города . Это справедливо как для публичного патронажа (примером является церковь Орсанмикеле, украшенная вкладом Искусств или профессиональных гильдий), так и для церковного патронажа, а также частного патронажа, что, кроме того, само по себе является случаем: по отношению к В середине 15 в. в Италии фактически было немного городов, имевших структуру республиканского типа (несмотря на то, что с 1434 г. Флоренция находилась под властью криптократии Медичи). Во многих других городах, таких как Феррара, Милан или Мантуя, художественные комиссии были в основном прерогативой соответствующих судов. Недостатка в частной инициативе, конечно, не было, но в городах, где существовал двор, богатство и великолепие частных лиц не могли сравниться с богатством и великолепием флорентийских семей (единственный другой город, сравнимый с Флоренцией в Италии того времени, — это Венеция).

Таким образом, флорентийское частное покровительство в пятнадцатом веке было тесно связано не только с экономическим процветанием Флоренции, но и с другими ситуациями (например, уровень грамотности, который не имел аналогов в Европе: богатые флорентийцы того времени инвестировали в школы, поскольку образование считалось фундаментальным образованием). основа для приобретения полезных навыков в бизнесе), но и для политической жизни города : республиканская и относительно демократическая система Флоренции, где преобладала политическая свобода, препятствовала (в отличие от того, что происходило в городах, управляемых судом) развитию централизованной культурной политики, с в результате самые богатые и влиятельные семьи города смогли использовать искусство как средство утверждения своего престижа. Таким образом, возникает ситуация, при которой наряду с важными общественными и церковными заказами (следует помнить, что начинанием, наиболее катализировавшим внимание современников, было строительство купола Санта-Мария-дель-Фьоре , шедевра Филиппо Брунеллески) или смешанными (например, , двери баптистерия, выполненные Лоренцо Гиберти: управление баптистерием было поручено Arte di Calimala, или гильдии торговцев тканями), частные лица становились все более важными. Флорентийский покровительство может также развиваться благодаря религиозному мышлению, которое больше не осуждает богатство (акцент, если вообще, смещается на тяжелый труд и жертвы, необходимые для создания состояния, и добродетель, которую необходимо проявлять, чтобы сохранить свои деньги). и тратить их хорошо) и, наоборот, при наличии гуманистической мысли , воплощенной такими фигурами, как Леонардо Бруни и Леон Баттиста Альберти, которые связывали образ человека с применением таких понятий, как честь и добродетель, которые, хотя изменчивые и часто неуловимые, поскольку они часто меняли форму даже в 15 веке, они были предметом постоянных споров во Флоренции того времени. Леонардо Бруни, например, считает обладание «внешними благами» доказательством проявления добродетели, хотя даже для самого Бруни аксиома не всегда доказана («Мы видим, что люди добывают или сохраняют добродетель не с помощью внешних благ, но внешние блага по добродетели, и самое счастье жизни - состоит ли оно в наслаждении, или в добродетели, или в том и другом - принадлежит больше тем, кто наделен в высшей степени характером и интеллектом, но обладает большим, чем нам нужно, но лишен характера и интеллект."). Таким образом, инвестиции в роскошный дворец или произведения искусства становятся не только способом выставить напоказ свой социальный статус , но и подчеркнуть свои достоинства.

Инвестиции в частный сектор затем дополняются инвестициями в государственные предприятия, особенно в строительство церквей, часовен и алтарей. «Основной причиной увеличения количества часовен и алтарей во флорентийских церквях, — хорошо объяснила ученая Мэри Холлингсворт, — была острая необходимость искупить грехи, особенно в приобретении материальных благ. Подобно благотворительным пожертвованиям и налогам, покровительство искусству В начале XV века во Флоренции это было в первую очередь обязательство, налагаемое на богатых, а не продукт хорошо развитой эстетической потребности. покровительство не несло за собой клейма тщеславия, свойственного частной демонстрации». А учитывая политическую систему, «созданную так, чтобы избежать доминирования отдельных лиц», республиканская Флоренция также оказывается «осторожной в отношении наглой демонстрации личного богатства». Поэтому Флоренция не знает излишеств : до сих пор существует правовая система, контролирующая расточительность, как в поведении, так и в одежде, и это еще одна причина, почему даже сегодня исторический центр города выглядит таким сбалансированным.

Вид на Флоренцию

Церковь Орсанмикеле. Фото: Гвидо Кастелли

Купол Брунеллески

Лоренцо Гиберти, Врата рая
(1425–1452; позолоченная бронза,
520 х 310 см; Флоренция, Дуомо)

По сути, это контекст, в котором наиболее влиятельные флорентийские семьи создавали имидж города как публично, так и в частном порядке. Конечно, трудно попытаться предоставить полные примеры этого контекста, поскольку Флоренция все еще полна свидетельств того неповторимого времени года и поскольку повсюду, на улицах, внутри дворцов и в церквях, есть признаки этого социального явления, которое отмечало Флоренция XV века. Чтобы проиллюстрировать некоторые примеры, можно использовать критерий по семейству, ища, таким образом, следы того, что наиболее доступные линии оставили по городу, или по типу: именно последнему критерию мы будем следовать здесь, не задумываясь, конечно, о давая исчерпывающий обзор и пытаясь определить, как частное флорентийское покровительство в пятнадцатом веке по существу выражалось в трех директивах, а именно: строительстве частных дворцов , строительстве часовен и алтарей или даже украшении церковных зданий и, наконец, вводе в эксплуатацию произведения искусства ведущим художникам того времени.