Мир дикой природы. Художник Daniel Smith

Daniel Smith - известный современный американский художник - анималист. Он вдохновляется в своем творчестве окрестностями Юго-Запада Монтаны, также художник посещает африканские страны для рисования диких животных.

Часто выставляется, его картины находятся во многих музеях, галереях и частных коллекциях, продаются на аукционах, где имеют высокую стоимость.

Daniel Smith получал множество наград от разных обществ защиты животных, а также несколько раз был выбран как «Художник Года» природоохранными организациями разных стран.

На протяжении всей своей карьеры художник прикладывает много усилий для привлечения внимания к охране природы и сохранению ее уникальности и разнообразия, чувствуя себя в долгу перед дикой природой нашей планеты, откуда он черпает вдохновение для своих картин.

Акварельные шедевры Бернхарда Фогеля (Bernhard Vogel)

Австрийский художник Бернхард Фогель (Bernhard Vogel), родившийся в 1961 году в Зальцбурге, известен своими выразительными акварельными городскими пейзажами. Его работы отличаются мастерским использованием линии и перспективы, а также насыщенными текстурами и нюансами цвета, что позволяет передать драму и загадочность городского ландшафта .

Австрийский художник Бернхард Фогель родился в Зальцбурге, в 1961 году. Рисовал он с ранних лет, и в этом деле его особенно вдохновляли два родных деда, которые рисовали с ним снова и снова, каждый раз стимулируя новое творчество. Художник до сих пор помнит, как под руководством одного из дедов научился рисовать яблони. Точнее, он запомнил этот домашний урок в связи с последующим уроком рисования в первом классе. Так совпало, что на первом уроке рисования ученикам надо было нарисовать яблоню. И у него хорошо получилось. Результат привлек всеобщее внимание.

Уже в средней школе Бернхард настолько прочувствовал особое творческое чувство, что сравнивал его с чувством влюбленности. У него всегда было большое желание рисовать, и оно помогало осваивать новые методы.

Однако последующий жизненный этап сложился более в коммерческом направлении, коего придерживалась его семья. Внешних стимулов для сосредоточения на живописи и искусстве было очень мало, внешнее окружение тому тоже не способствовало. В итоге, Бернхард Фогель после окончания средней школы отучился в бизнес-колледже, и начал коммерческую карьеру в семейном бизнесе.

Девять императорских корон Европы

Королевские драгоценности Англии, как они выглядели в 1952 году на коронации Елизаветы II. Источник: Правительство Соединенного Королевства

В средневековой Европе не требовалось много территории, чтобы управлять империей. Поскольку самый маленький континент стал плавильным котлом для культурного развития (с множеством внутренних распрей по пути), многие империи возвышались и распадались, пока все они в конце концов не пали.

Большая часть сокровищ этих империй была утеряна с их падением, переплавлена или иным образом уничтожена. Однако в редких случаях короны этих давно умерших императоров сохранились до наших дней, а некоторые даже продолжают использоваться.

Вот некоторые из знаменитых корон Европы.

✨💠💎 1. Императорская корона Австрии

Изготовленная для императора Священной Римской империи где-то в конце десятого века нашей эры, эта корона украшена сказочными драгоценностями, с акцентом на размер, а не на единообразие. Она использовалась до 1806 года, когда Империя распалась. Ее восьмиугольный дизайн напоминает корону Карла Великого и короны Византии.

✨💠💎 2. Венгерская корона

Также называемая Короной Святого Стефана, это одна из двух сохранившихся византийских корон. Эмалированные панели с изображением святых и византийских императоров, вероятно, были изготовлены в Византии в конце X века, что делает ее прямым современником австрийской короны, представленной выше. Она использовалась до 1916 года и последнего из королей Венгрии , Карла IV.

✨💠💎 3. Корона Баварии

Когда Наполеон вверг Европу в десятилетие смуты, многие страны были перекроены, и, следуя примеру маленького диктатора, империи снова вошли в моду. После того, как Наполеон создал королевство Бавария в 1806 году, его новому правителю, Максимилиану I, нужна была корона. Эта корона была сделана во Франции и покрыта драгоценными камнями.

✨💠💎 4. Папская тиара

Ни один список европейских корон не был бы полным без Папской тиары, и хотя Папская область никогда не была настоящей империей, власть и влияние Пап выходили за пределы их территориальных владений. Корона, датируемая VIII веком и основанная на фригийском дизайне, использовалась до 1963 года.

Национальный парк Какаду: в «Душе Австралии» находятся одни из старейших наскальных рисунков в мире

Наскальное искусство аборигенов в Нурланги, Какаду

Национальный парк Какаду — охраняемая территория в Северной территории Австралии, туристическая достопримечательность, известная своими драматическими ландшафтами, наскальным искусством аборигенов, а также богатой дикой природой. Парк занимает огромную территорию, простирающуюся почти на 12 000 квадратных миль, со множеством водопадов и был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО как за свои культурные, так и за природные ценности. Недавние археологические находки показали, что первые австралийские аборигены жили в Какаду, возможно, еще 65 000 лет назад.

Примерно половина земель в Какаду — это земли аборигенов, сданные в аренду национальным паркам и совместно управляемые традиционными владельцами-аборигенами и австралийским правительством. В парке проживает около 500 аборигенов, многие из которых являются потомками различных групп из района Какаду с давними связями.

🔵 Национальный парк Какаду —
объект Всемирного наследия ЮНЕСКО

Субтитры на youtube

Водопад Джим Джим, Национальный парк Какаду

Парк расположен в районе рек Аллигаторов Северной территории. Хотя в этом районе нет аллигаторов, Филипп Паркер Кинг, английский мореплаватель, давший названия трем рекам, неправильно идентифицировал большое количество крокодилов.

🔵 Первые исследователи и торговцы

Первыми людьми, посетившими северную Австралию и поддерживавшими с ней постоянные контакты , были макассаны из Сулавеси, которые отправились в северную Австралию, чтобы собирать морские огурцы, панцири черепах и жемчуг для торговли у себя на родине.

В начале девятнадцатого века британцы предприняли попытку основать поселения на северном побережье Австралии, поскольку они были полны решимости закрепиться на этой территории перед французами и голландцами, однако впоследствии все их поселения были заброшены из-за нехватки воды и свежей пищи, болезней и изоляции.

Внутри крупнейшего в истории мошенничества с произведениями искусства

«Художник и шаман между двумя мирами» Норвала Мориссо (1980) демонстрирует фирменный стиль художника: смелые цвета и сюрреалистическое восприятие внутренней жизни его героев.

Десятилетняя схема подделок заманила в ловушку самого известного канадского художника-аборигена, рок-музыканта, ставшего сыщиком, и несколько ведущих музеев. Вот как следователи раскрыли невероятную аферу.

Норвал Мориссо был уверен. «Я не рисовал прилагаемые 23 акриловые краски на холсте», — написал он в машинописном письме в 2001 году своему представителю галереи в Торонто, который отправил ему цветные фотокопии работ, недавно проданных на несвязанном аукционе.

Мориссо, которому тогда было около 60 лет и который страдал болезнью Паркинсона, был самым важным художником в современной истории коренных народов Канады — «Пикассо Севера». Он в одиночку изобрел школу искусств Вудлендс, которая соединила европейские и коренные традиции для создания поразительных, ярких изображений с толстыми черными линиями и красочными интерьерами людей, животных и растений, как будто их просвечивали рентгеном, и их внутренности были видны и наполнены необычными узорами и формами. Он был одним из первых художников-аборигенов, привлекших внимание всей страны, и первым, чья персональная выставка прошла в Национальной галерее Канады в Оттаве. «Немногие выставки в истории канадского искусства вызвали такой мгновенный резонанс», — восторгалось канадское издание журнала Time после распроданной дебютной выставки Мориссо в Торонто в 1962 году.

К 2001 году картины Мориссо регулярно приносили тысячи долларов на рынке. Работы, которые он теперь отрицал, были не исключением. Аукционист рекламировал их как принадлежащие руке Мориссо и утверждал репортеру, писавшему о споре, что, хотя он получил картины от неизвестного продавца, у него нет причин сомневаться в их подлинности — он уже продал 800 из них без единой жалобы покупателя.

Мориссо, хотя и был справедливо возмущен, не был удивлен тем, что подделки его работ продавались на открытом рынке как подлинные. Еще в 1991 году Toronto Star сообщила, что художник жаловался на то, что его «обманывают» мошенники. Но в течение многих лет канадские правоохранительные органы мало что делали для расследования заявлений художника о том, что фальсификаторы подражают его работам. В конце концов, столкнувшись с этим бездействием, адвокаты Мориссо посоветовали ему уведомить галереи и аукционистов о том, что они продают подделки, и предупредить их, что они могут стать предметом судебного запрета, гражданского иска или уголовного обвинения. Тем не менее продажи продолжались.

Только в прошлом году, более чем через 15 лет после смерти художника от осложнений, связанных с болезнью Паркинсона, маловероятный консорциум следователей во главе с полицейским из отдела убийств из небольшого города Тандер-Бей, Онтарио, наконец, раскрыл схему обмана Морриссо. Даже сам художник не мог себе представить масштаб мошенничества, которое как по количеству поддельных картин, так и по прибыли, полученной от их продажи, было, вероятно, крупнейшим мошенничеством с произведениями искусства в истории — не в Канаде или Северной Америке, а где-либо еще в мире.

---

Мориссо родился в начале 1930-х годов. В соответствии с традициями анишинабе, он был воспитан бабушкой и дедушкой по материнской линии в резервации недалеко от Тандер-Бей, принадлежащей анишинабе. Резервации были (и в значительной степени остаются) небольшими, бедными, непродуктивными землями, где канадское правительство заставило коренных жителей жить. Бабушка Мориссо была католичкой, а его дедушка, шаман, научил его духовным традициям своего народа. Слияние белой и коренной культур, а не их разделение, определило жизнь и творчество Мориссо.

Когда Мориссо было 6 лет, канадские власти похитили его и отправили в школу-интернат. Эти печально известные школы-интернаты были созданы федеральным правительством в конце 19 века. Как и их коллеги в Соединенных Штатах, коренные студенты были лишены своего языка, культуры, общинных и семейных связей и насильно ассимилировались в доминирующую белую христианскую культуру. В обеих странах студенты также часто подвергались физическому, сексуальному и эмоциональному насилию, и Мориссо позже сказал, что он пережил сексуальное насилие в школе — среди событий, которые нанесли ему длительный психологический и эмоциональный ущерб, сделав его уязвимым для пристрастий к алкоголю и наркотикам.

Мориссо, известный как «Пикассо Севера», в галерее Поллока в Торонто, 1975 год, рядом с картиной матери и ребенка — частая тема. The Globe and Mail

К 10 годам Мориссо вернулся в уединение своих бабушек и дедушек и стал начинающим художником, рисуя и раскрашивая запрещенные вещи. В традиции анишинабе было запрещено создавать визуальное искусство, основанное на священных устных традициях и мифах. Когда он стал серьезно относиться к своей работе, в подростковом возрасте и в начале 20-х годов, он навлек на себя критику в обществе. «Многие старейшины и [анишинабе] не соглашались с тем, что делал Норвал и что он выражал в своих картинах», — говорит Даллас Томпсон, мужчина из анишинабе, который знал одного из родственников Мориссо.

Самурайский сюрреализм: Тэцуя Ногучи

Тэцуя Ногучи — современный художник из Японии, который ставит под сомнение современность и человечность через тему доспехов и людей. В своих работах он представляет довольно реалистичные образы людей без украшений. На первый взгляд они могут показаться противопоставленными традиционному образу доспехов, учитывая, что они показывают людей, которые: неподвижны, одеты в доспехи, расслаблены, в беде, одеты в модные кроссовки или естественно одеты в доспехи с логотипом бренда на них. Его уникальное мировоззрение, в котором смешиваются различные культуры и эмоции, поддерживается широким кругом людей как в Японии, так и за рубежом.

Ногучи ссылается на столь разные источники, как средневековая Япония, Европа эпохи Возрождения, граффити, потребительство, роскошь и современная культура.

Однако настоящее послание Ногучи - это, в конечном счете, красота и оптимизм, поскольку его самураи смотрят в будущее с невинностью и надеждой.

Блестящий балет, который принес танец в движение Баухаус

Из выступления Баварского юношеского балета

Учитывая акцент на функциональности и дизайне для промышленного производства, движение Баухаус редко ассоциируется с такими дисциплинами, как танец. Но для Оскара Шлеммера (1888-1943) воплощение его принципов в движение и исполнение было столь же убедительным, как хорошо продуманный стул или здание.

В прошлом веке Баухаус неизгладимо сформировал нашу современную среду обитания и то, как мы думаем о взаимосвязи формы и функции (он даже вдохновил концептуальные кулинарные книги ). Немецкий архитектор Вальтер Гропиус основал школу в 1919 году в Веймаре, Германия, с намерением объединить архитектуру, изящные искусства и ремесла. Школа сосредоточилась на минимализме и создании для общественного блага и привлекла таких художников и дизайнеров, как Людвиг Мис ван дер Роэ, Ласло Мохой-Надь, Василий Кандинский, Пауль Клее и Анни и Йозеф Альберс.

Эскизы костюмов для «Триадического балета».
Предоставлено: Гарвардские художественные музеи

Мастер формы в театральной мастерской Баухауса, Шлеммер был художником, скульптором и хореографом, ответственным за малоизвестный балет Triadic Ballet, яркий, игривый танец, структурированный вокруг групп из трех человек. Дебютировавшая в 1922 году, авангардная постановка включает в себя три цвета — желтый, розовый или белый и черный — и три формы костюмов — квадрат, круг и треугольник.

«Развитие кратности трем, — говорится в объяснении MoMA , — позволило преодолеть эгоизм индивидуума и дуализм пары, подчеркнув коллективность».

В истинной форме Баухауса идея заключалась в том, чтобы устранить декоративные излишества, связанные с балетом, включая пачки, которые позволяют телам сгибаться, поворачиваться и исследовать полный спектр подвижности. Вместо этого костюмы Шлеммера ограничивают движение и добавляют современное качество, поскольку танцоры кажутся скованными и почти механическими, намекая на фокус движения на доступности посредством массового производства и превращения «искусства в промышленность».

Несколько иллюстраций Шлеммера к балету доступны в сети, включая его причудливые скульптурные костюмы с широкими, пузырчатыми юбками и яркими полосатыми рукавами. В коллекции MoMA есть принт под названием « Фигуры в пространстве », который раскрывает одну из главных тем спектакля: как тела движутся и взаимодействуют в пространстве.

🔵 Триадический балет Оскара Шлеммера - Баухаус

Как видно из полностью раскрашенного фильма танца 1970-х годов, танцоры невероятно осмотрительны, перемещаясь по редким декорациям с четкими линиями. Open Culture отмечает, что они выглядят почти как пантомимы или марионетки «с фигурами в неуклюжих костюмах, вычерчивающими различные формы вокруг сцены и друг друга».

Вышитые воспоминания: индустрия шелковых открыток времен Первой мировой войны

Шелковые открытки

Эти шелковые открытки времен Первой мировой войны передавали сообщения между солдатами и их семьями. Изготовленные вручную женщинами-вышивальщицами вблизи линии фронта, они являются прекрасными примерами сентиментальности и военной промышленности.

Во время Первой мировой войны тоскующие по дому солдаты на передовой отправляли своим близким домой красивые шелковые открытки. Вышитые сентиментальными фразами, такими как «Твой навсегда» и «Поцелуй из Франции», красочные цветы, бабочки и другие символы мира и надежды контрастируют с грязью и нищетой окопов. Они позволяли солдатам отправлять простые послания тоски семьям, которых они оставили позади.

Многие из этих открыток сохранились сегодня в частных коллекциях, как семейные реликвии и в музейных коллекциях, таких как наша. Однако многие не осознают, что эти прекрасные сувениры являются не только примерами сентиментальности в тяжелое военное время, но и мастерством, наряду с массовым производством и промышленностью.

Вышитые вручную шелковые изделия обрамлялись картонной бумагой с несколькими краткими сообщениями на обороте. Иногда с карманом, сделанным для хранения записки, а иногда открытку оставляли пустой и вставляли в рамку те, кто был дома, для показа и памяти, так как многие из тех, кто отправлял эти сувениры, вероятно, так и не вернулись домой. Их тонкое мастерство скрывало ужасающие условия, с которыми сталкивались солдаты, живущие в окопах, и защищало их близких от реальности жестокой войны, в которой погибло так много людей.

Пример вышитых вручную шелковых открыток, отправленных
солдатами во время Первой мировой войны

На многих подобных открытках изображен флаг
Великобритании, а также мягкие элементы, например, цветы

✅ Как изготавливались эти шелковые
открытки времен Первой мировой войны?

Большинство открыток, произведенных в этот период, были сделаны женщинами, живущими в городах, расположенных вблизи линии фронта во Франции и Бельгии. Они увидели возможность использовать свои навыки вышивки для создания этих прекрасных подарков для солдат.

Хотя открытки были сшиты вручную, они производились массово . Узоры многократно вышивались на длинных полосах шелковой сетки женщинами, работающими дома. После завершения их отправляли на фабрики в таких городах, как Париж, для отделки. Там их разрезали на отдельные части и наклеивали на открытки. На этом этапе можно было добавлять украшения — например, некоторые открытки имели карман, который открывался, чтобы показать вышитый шелковый носовой платок, аккуратно сложенный внутри в качестве подарка получателю.

Эти шелковые открытки были недешевы. Дефицит бумаги и чернил во время войны поднял их цену, и в сочетании со стоимостью шелка и рабочей силы стоимость открыток могла составлять от 1 до 3 франков. Это было примерно дневным жалованьем для многих солдат низшего звена.

Несмотря на относительно высокую стоимость, шелковые открытки были привлекательной покупкой. За всю войну было изготовлено около 10 миллионов открыток, что говорит о наличии устойчивого рынка среди военнослужащих на фронте.

Известное телевизионное шоу America's Got Talent покоряет украинская команда

Известное телевизионное шоу America's Got Talent покоряет украинская команда. Их номер "The Escape" получил четыре "да" от звездных судей. В частности, над постановкой работали известный хореограф Константин Томильченко и режиссер Александр Братковский. Художники засветились на отечественных шоу, в частности "Танцуют все", а хореограф был автором номера Джамалы и MELOVIN'a на Евровидении.

Во время выступления главный герой постановки, которого сыграл Константин Томильченко, попадает в виртуальный мир. Сначала путешествие было интересным и безопасным, однако впоследствии он пытается спасти свою жизнь в динамическом противостоянии за выживание.

"Этот номер возник как творческий эксперимент. Нас заинтересовала идея, что будет, если мы создадим танец в 3D-пространстве, где исполнители смогут перемещаться не только на сцене, но и над ней. Фактически свободно "летать" перед зрителями. После нескольких месяцев экспериментов мы поняли, что это не только возможно, но и может выглядеть по-настоящему увлекательно", – рассказал Константин Томильченко.

Звездное жюри было поражено необычным и символическим выступлением украинцев. Кроме этого, судьи отметили привлечение инновационных технологий при постановке.

Это одно из самых невероятных выступлений, что я когда-либо видела. Мне очень, очень понравилось! – прокомментировала модель Хайди Клум.

"Увлекательно видеть вещи, которые мы на самом деле никогда раньше не видели. Словно путешествие в будущее. Это было совершенно", – добавил Саймон Коуэ

💫 "The Escape"
America's Got Talent

Петроглифы Юты в свете феномена Скинуокеров

Петроглифы каньона Сего.
Наскальное искусство американских индейцев

Часто считается, что современные явления, наблюдаемые на ранчо Скинвокер, вполне могли быть тем, что местные племена региона Юты, изобразили в своих петроглифах, но это, как правило, не выходит за рамки простого хохота, который, несомненно, выглядит как некий инопланетный подход, и ему противопоставляются упоминания о шаманах, ритуалах плодородия и солярной символике, но я хотел бы попытаться представить здесь несколько более конкретных наблюдений.

Современные отчеты описывают треугольные гайки и болты длиной около 40 футов, появляющиеся из водоворота, который открывается и закрывается, это особенно интересно мне, потому что я изучал шумерские отчеты о таких, например, здесь . Теперь с таким нужно учитывать, что записанная традиция была переведена в мифологическую парадигму и сделана антропоморфной, в шумерском случае птица Анзу, символ Божественной Силы и средство обеспечения таковой через катастрофические явления, связанные с эффектом, подобным шторму, в традиции коренных американцев я бы сравнил это с Громовой Птицей. Поэтому можно считать, что если бы такие явления в Регине Юты наблюдались в прошлом, они были бы поняты таким образом.

Петроглифы каньона Сего.
Наскальное искусство американских индейцев

Итак, глядя на треугольные фигуры выше, они дают ощущение того, что они хотя и очень абстрактны, и тот же подход я наблюдал в шумерской традиции, но все же Анзу также может быть представлен как полностью геометрическая/аэродинамическая фигура.

Панель с изображением совы крупным планом, Моаб, Юта

Это просто вопрос контекстуальных рамок, в которых люди могут соотносить то, что они видели или что им описывали, наиболее очевидным с точки зрения видения чего-то с силой полета, конечно, является птица.

Другие элементы, видимые на фигурах, связаны с кругом и спиралью и их ассоциацией с особенно священным местом, подводными течениями энергии, которые, как считалось, пронизывают землю, и взаимосвязью таковых.

Иногда более аэродинамические представления видны в регионе Юты, и их объясняют как птиц, но, глядя, скажем, на пример справа и ступенчатый мотив, это будет представлять место установления и взаимосвязь между земным и подземным миром/небесным царством, поэтому эти птицы должны были бы иметь очень особую природу, чтобы пересекать эту ось.

Петроглифы каньона Boca Negra

Также есть символ, видимый для гор выше, и традиция таких птиц обычно связывает их с таковыми, и появление из отвесных скальных поверхностей, таким образом, изображение на самих скальных поверхностях является чем-то вроде целостного подхода к распознаванию явлений со стороны тех, кто их зафиксировал.

Одним из странных аспектов феномена Скинуокеров является явление Теневых людей, по-видимому, наблюдавшееся исследовательской группой NIDS, которая провела там 6 лет, они очень хорошо представлены в традиционном искусстве;

Фрагмент Большой галереи каньона Хорсшу

Также можно заметить, что некоторые фигуры построены как холодильники или рекреационные транспортные средства, и то и другое наблюдалось в Скинволкере в контексте высокой странности, поэтому можно признать, что такие архетипические формы были отмечены ранее.

Мы также могли бы начать задаваться вопросом, в каком смысле крупный рогатый скот и домашний скот часто видны в связи с фигурами, учитывая аспекты явления, связанные с увечьями крупного рогатого скота, выглядят ли эти животные испуганными, возможно, они должны быть...

Ян Гранстрём — фотографии дикой природы крупным планом

Ян Гранстрём, фотограф из Южной Финляндии, делает интимные снимки дикой природы: лис, птиц, лосей и многих других. То, что, кажется, делается так легко, на самом деле гораздо сложнее. Ян рассказал, как иногда ему не везет: фотографировать диких животных не всегда легко. Найти животных и подобраться достаточно близко, чтобы сделать эти дополнительные хорошие снимки, требует подготовки и времени. Было бесчисленное множество поездок на природу, из которых он возвращался домой с пустыми руками, без единого снимка, сделанного на своем фотоаппарате.

Таинственное наскальное искусство аборигенов, изображающее небесных существ Ванджина

Наскальное искусство Ванджина на реке Барнетт,
станция Маунт-Элизабет

Одной из самых интригующих и озадачивающих легенд австралийских аборигенов является легенда о Ванджинах, высших духовных существах и создателях земли и людей. Земля Ванджина — это обширная территория площадью около 200 000 квадратных километров земель, вод, моря и островов в регионе Кимберли на северо-западе Австралии с непрерывной культурой, насчитывающей по меньшей мере 60 000 лет, но, вероятно, гораздо больше. Здесь традиционные законы и культура аборигенов все еще активны и живы.

Народы Ворора, Нгариньин и Вунумбул — это три племени Ванджина. Эти племенные группы являются хранителями древнейшего известного изобразительного искусства, которое разбросано по всему Кимберли.

Возможно, самым интересным в их изобразительном искусстве, нарисованном на скалах и в пещерах, является то, как они изображали Ванджинов — белые лица, лишенные рта, большие черные глаза и голова, окруженная нимбом или чем-то вроде шлема.

Наскальное искусство Ванджина на реке Барнетт,
станция Маунт-Элизабет

💫 Древние астронавты?

Древние картины получили всевозможные толкования от стилизованных изображений людей или даже сов до теорий древних астронавтов, которые предполагают, что внеземные существа посещали Землю десятки тысяч лет назад и имели прямой контакт с ее обитателями. Некоторые считают, что инопланетяне даже играли прямую роль в творении, что отражено не только в историях Dreamtime аборигенов, но и в мифах и легендах многих древних цивилизаций по всему миру.

Можно простить, если кто-то думает, что действительно есть поразительное сходство между Ванджинами и стереотипным образом инопланетянина, который мы видим снова и снова в искусстве, фильмах и свидетельствах очевидцев. И многие поднимают логичные вопросы, например, почему Ванджины были нарисованы с белой кожей, если они представляли другого аборигена, у которого у всех была черная кожа? Почему глаза всегда были нарисованы такими непропорциональными лицу и носу? И почему они все были нарисованы без рта?

Было дано два объяснения отсутствия ртов. Первое — они настолько сильны, что им не нужна речь. Второе — традиционно считалось, что если бы у них были рты, дождь бы никогда не прекратился.

Но что самое удивительное и любопытное, так это устные рассказы о Ванджинах, которые передавались из поколения в поколение, как и все истории аборигенов о Времени Сновидений.

Фотографии дикой природы от британского Музея естествознания

«Рука матери», Ален Мафар Ренодье, Франция
(«A mother’s hand» by Alain Mafart Renodier, France).

Предлагаем вам посмотреть на эти чудесные снимки и вдохновиться талантом фотографов, которые умеют видеть дикую природу с самой живописной стороны.

«Замешательство», Руди Хульсхоф, ЮАР
(«Confusion» by Rudi Hulshof, South Africa).

«Сестры», Берндт Васиолка, Германия
(«Sisters» by Bernd Wasiolka, Germany)

«Глаза в глаза», Гай Эдвардс, Великобритания
(«Eye contact» by Guy Edwardes, UK)

«Поймал попутку», Дейзи Гилардини, Швейцария
(«Hitching a ride» by Daisy Gilardini, Switzerland)

«Смертельный взгляд», Йохан Клопперс, ЮАР
(«The stare of death» by Johan Kloppers, South Africa)

«В ночи», Карин Эйне, США
(«Into the night» by Karine Aigner, USA)