«Джим и Энди»: как Джим Керри утратил себя

Джим Керри

Почти ушедший на пенсию голливудский актер объясняет, как он пришел к убеждению, что он — персонаж, которого сыграл в фильме; реальный, ныне покойный, художник, который, в свою очередь, придумал другого персонажа, которого он изображал, и в которого почти ушедший на пенсию голливудский актер также поверил. Совершенно ясно, правда? Что ж, примерно в этом и заключается завязка документального фильма «Джим и Энди: Великий Запределье», премьера которого только что состоялась на Netflix. Однако, учитывая все эти разговоры о раздвоении личности, альтер эго и подражании, возможно, будет полезно отметить некоторые ключевые моменты, чтобы не заблудиться по пути.

В 1999 году Милош Форман снял биографический фильм «Человек на Луне» с Джимом Керри в главной роли. В это десятилетие, десятилетие его стремительного взлёта, этот яркий актёр покорил зрителей (такими мировыми хитами, как «Маска», «Эйс Вентура» и «Тупой и ещё тупее») и завоевал признание критиков («Шоу Трумана»). Следующим его испытанием стала роль Энди Кауфмана. Никто не предполагал, что он отнесётся к этой роли так серьёзно.

Джим Керри

Хотя он хвастался, что никогда в жизни не рассказывал шуток, и несмотря на то, что некоторые из его появлений были направлены на то, чтобы вызвать что-то, кроме смеха, Кауфман определяется как комик. Своеобразный, или просто уникальный, но тем не менее комик. Его самые заметные выступления (включая его дебют в Saturday Night Live) можно увидеть на YouTube. Все они были выдуманы в фильме Формана, что, хотя и не является необходимым для понимания жесткости последующего документального фильма, весьма полезно. Кроме того, «Человек на Луне» — очень хороший фильм. Он прослеживает взлет и преждевременное падение Кауфмана и представляет Тони Клифтона, персонажа, рожденного его воображением и воображением Боба Змуды, его друга и сценариста, который также часто изображал его. Клифтон начинал как экстравагантный певец, который импровизировал абсурдные тексты на известные мелодии и постоянно унижал свою аудиторию.

В фильме «Джим и Энди» затворник Керри 2017 года размышляет о мотивах и последствиях этой игры, которая принесла ему «Золотой глобус» и номинацию на «Оскар». Правда, он не говорит об актёрской игре, поскольку убеждён (или, по крайней мере, хочет, чтобы люди поверили), что именно Кауфман снимал этот фильм, а его тело служило лишь посредником. То, что происходило вокруг этих явно аномальных съёмок, было задокументировано благодаря многочасовым дополнительным материалам, которые Universal запретила публиковать. Причина была проста: они боялись, что их дойная корова будет выглядеть полным идиотом в глазах зрителей. Это были их инвестиции, и они хотели их защитить.

Артемизия Джентилески: художница эпохи барокко, которая привела женщин к власти

На изображении фрагмент картины "Автопортрет в образе лютнистки" (Self-Portrait as a Lute Player) итальянской художницы Артемизии Джентилески.

Артемизия Джентилески (1597 – 1652) – тосканская (итальянская) художница, дочь и ученица Орацио Джентилески, родилась в Риме. Вначале своей биографии Артемизия Джентилески обучалась живописи у отца, затем Агостино Тасси. Он был коллегой ее отца, которого позже осудили за изнасилование еще подростка Артемизии в 1612 году.

Через несколько лет она была изображена как проститутка, жертва феминизма, героиня, а также независимая женщина своего периода. Ее жизнь была описана в нескольких новеллах, пьесах. В чисто художественных терминах, биография Джентилески стала известна благодаря ее энергичному исполнению, восхитительному использованию светотени в стиле Караваджо. На протяжении своей жизни Артемизия достигла и успеха, и славы.

В 1616 году она стала первой женщиной, вошедшей в состав Академии живописного искусства во Флоренции. Примерно в 1638 году Артемизия посетила Англию, где она считалась великой портретисткой. Среди картин Джентилески наиболее известны «Judith and Holofernes» (Уффици), «Mary Magdalen» (Флоренция), «Christ among the Doctors» (Нью-Йорк), автопортрет (Хэмптон-Корт, Англия).

Артемизия Джентилески прославилась дважды при жизни. Первый раз – мимолетной и скандальной славой, поскольку она стала главной героиней нашумевшего судебного процесса по обвинению её учителя живописи Агостино Тасси в изнасиловании. Второй раз – более продолжительной и позитивной: её признали одной из величайших художниц своего времени. Однако на протяжении веков первая слава неизменно затмевала вторую.

В 1610 году, когда ей было 17 лет, Артемизия Джентилески написала картину, которая стала одной из ее самых известных работ: ее версия «Сусанны и старцев», библейской сцены, в которой двое мужчин застают Сусанну во время купания и угрожают обвинить ее в прелюбодеянии, если она не переспит с ними.

Сусана и старики

Выражение лица и язык тела Сусаны на ее картине не оставляют места для сомнений: в отличие от других версий сцены, где молодая женщина кажется лишь немного раздраженной или даже удивленной и с кокетливой полуулыбкой, здесь можно ясно прочитать крайний дискомфорт, отвращение и страх.

Техническое совершенство картины вызвало долгие сомнения в авторстве Артемизии: подобное не могла написать семнадцатилетняя девушка; это, несомненно, работа её отца, художника Орацио Джентилески. Или, возможно, она написала её сама, но позже. Экспертное мнение давно утвердилось: это была Артемизия, и случилось это в 1610 году.

Артемизия Джентилески: Автопортрет

Это важно не только для того, чтобы признать ее ценность как художницы (в чем она не была лишена и при жизни, и в последующие столетия), но и для того, чтобы развенчать одно из наиболее распространенных о ней мнений: что ее картины, на которых женщины из различных библейских и мифологических сцен предстают в позе, отличной от обычной для живописных изображений, были своего рода местью.

Ведь, хотя художница прожила 55 лет, всё всегда связано с одним моментом её жизни: изнасилованием. Но это произошло в 1611 году, через год после написания картины «Сусанна». Оказывается, Артемизии не нужно было переживать эту травму, чтобы представить иное видение женщин, чем у других художников.

Метафизический символизм Армена Гаспаряна

Характерной чертой творчества живописца, графика и скульптора Армена Гаспаряна является метафизический символизм. Художник использует сложную систему визуальных метафор, чтобы выразить свои философские идеи и представления о мире.

Армен Гаспарян родился на юге Армении в городе Капане в 1966 году.

Творчество Гаспаряна — это метафизический символизм, отражающий размышления о бытии, о вечных вопросах человечества: кто мы и куда идём? «Метафизика — это то, чего мы не видим, нечто большее, чем физика. Поэтому в своём творчестве я использую символы и аллегории», — объясняет художник.

В его картинах оживают мотивы старинных легенд, призраки прошлого. Персонажи — арлекины, женщины, мужчины, шуты, короли и философы — задумчивые, сложные, многогранные и ёмкие.

Тempus fugit, aeternitas manet («Время летит, вечность ждёт») — написано на сайте Гаспаряна. Это выражение рассказывает нам об одной из важных тем в творчестве художника.

Красочные и выразительные картины Эми Раттнер (Amy Rattner)

Эми Раттнер (Amy Rattner) — художник-анималист из Калифорнии. Эми рассказывает о своём пути от изучения английского языка и графического дизайна до обретения своего истинного призвания как художника. Она рассказывает, как занятия акварелью во время беременности переросли в пожизненную страсть к рисованию животных — существ, с которыми она всегда чувствовала глубокую связь.

Эми рассказывает о том, что питает её творчество: от личных встреч с животными в природе до любви к японскому искусству и стилю ар-деко. Она также размышляет о том, как эксперименты придают её работам новизну и как каждое её произведение рассказывает значимую историю. Мы узнаём, что её искусство не просто визуально впечатляет — это способ выразить эмоции, воздать должное дикой природе и вызвать такое же чувство удивления в других.

Йиран Цзя - художник-фантаст, который рисует из реальной жизни

Йиран Цзя — иллюстратор из Нью-Джерси, создающая сложные работы, наполненные точными гравированными линиями, яркими сплошными цветами и эффектными композициями. Вдохновляясь научно-фантастическими комиксами 70-х, дизайном ар-деко и реальными наблюдениями, её работы часто вызывают мелодраматические чувства и эффективно доносят до зрителей послания как в вымышленном, так и в редакционном контенте.

Используя глубокие линии и яркие цвета, художница Йиран Цзя создаёт научно-фантастические произведения, проникнутые возвышенной эстетикой графического романа. Несмотря на то, что она воображает фантастические миры, которые могли бы существовать, она черпает вдохновение из реального мира.

Стиль и техника иллюстрации Йиран во многом обусловлены её искусством графики и учёбой в Пекине. Содержание её работ варьируется от научных и социальных тем до захватывающих историй. Она всегда с энтузиазмом принимает новые вызовы.

Иллюстратор Анна Бутова (Anna Butova), Таиланд

Серия иллюстраций к научно-фантастическому роману «Паргелион» (Стражи Арно, № 1). Мир Стражей Арно — это реальность нашей планеты, но в далеком будущем. Представьте, что все, что сейчас предсказывается для будущего человечества, уже достигнуто. Наука и магия пошли рука об руку, создав совершенно новую цивилизацию и положив начало новой эре.

Существует множество форм жизни, как биологических, так и небиологических. Развитие робототехники, генетики и биоинженерии достигло своего пика. Явления, которые когда-то считались магическими или невозможными, стали известны и доступны каждому. Вскоре мир был преобразован внедрением революционной новой технологии: Вещества. Однако это благословение стало также проклятием.

Когда Вещество начало истощаться, разразилась катастрофа, отбросившая человечество назад и вызвавшая массовую смерть и раздор. Многие некогда процветающие центры науки и искусства были заброшены, оставив лишь несколько городов, сохранивших свое влияние.

После катастрофы человечество нашло виновника произошедшего: синтов, потомков искусственно созданных людей. Опасаясь за свою жизнь, они вынуждены скрываться. Однако такое существование не может длиться вечно. Либо мир найдёт способ сосуществовать с другими формами жизни, либо погрузится в ещё большую войну и разрушения. Как нам найти выход и вернуть себе свободу?

Коллекция гуаши «Дикая природа»

Shin Han и Winsor & Newton на цветной бумаге Fabriano. Рисуноки были выбраны среди 12 финалистов конкурса «CreateArtHistory», организованного RedBubble и Государственной библиотекой Виктории (Австралия), и добавлены в постоянный онлайн-каталог библиотеки, чтобы будущие поколения могли изучать, просматривать и наслаждаться ими.

Фантастические миры на сухих кленовых листьях

Графический дизайнер Валерия Прието из Айовы с детства любила природу и собирала сухие цветы и листья между страницами книг. Этой осенью она прогуливалась по окрестностям и нашла так много больших листьев, что забрала их домой, а потом вдруг решила использовать их как холсты. Ей нравится идея того, что природу нужно сохранять и давать ей шанс на вторую жизнь. Рисунки Прието сделаны акрилом и чернилами.

Мир дикой природы. Художник Daniel Smith

Daniel Smith - известный современный американский художник - анималист. Он вдохновляется в своем творчестве окрестностями Юго-Запада Монтаны, также художник посещает африканские страны для рисования диких животных.

Часто выставляется, его картины находятся во многих музеях, галереях и частных коллекциях, продаются на аукционах, где имеют высокую стоимость.

Daniel Smith получал множество наград от разных обществ защиты животных, а также несколько раз был выбран как «Художник Года» природоохранными организациями разных стран.

На протяжении всей своей карьеры художник прикладывает много усилий для привлечения внимания к охране природы и сохранению ее уникальности и разнообразия, чувствуя себя в долгу перед дикой природой нашей планеты, откуда он черпает вдохновение для своих картин.

Акварельные шедевры Бернхарда Фогеля (Bernhard Vogel)

Австрийский художник Бернхард Фогель (Bernhard Vogel), родившийся в 1961 году в Зальцбурге, известен своими выразительными акварельными городскими пейзажами. Его работы отличаются мастерским использованием линии и перспективы, а также насыщенными текстурами и нюансами цвета, что позволяет передать драму и загадочность городского ландшафта .

Австрийский художник Бернхард Фогель родился в Зальцбурге, в 1961 году. Рисовал он с ранних лет, и в этом деле его особенно вдохновляли два родных деда, которые рисовали с ним снова и снова, каждый раз стимулируя новое творчество. Художник до сих пор помнит, как под руководством одного из дедов научился рисовать яблони. Точнее, он запомнил этот домашний урок в связи с последующим уроком рисования в первом классе. Так совпало, что на первом уроке рисования ученикам надо было нарисовать яблоню. И у него хорошо получилось. Результат привлек всеобщее внимание.

Уже в средней школе Бернхард настолько прочувствовал особое творческое чувство, что сравнивал его с чувством влюбленности. У него всегда было большое желание рисовать, и оно помогало осваивать новые методы.

Однако последующий жизненный этап сложился более в коммерческом направлении, коего придерживалась его семья. Внешних стимулов для сосредоточения на живописи и искусстве было очень мало, внешнее окружение тому тоже не способствовало. В итоге, Бернхард Фогель после окончания средней школы отучился в бизнес-колледже, и начал коммерческую карьеру в семейном бизнесе.