Daniel Smith - известный современный американский художник - анималист. Он вдохновляется в своем творчестве окрестностями Юго-Запада Монтаны, также художник посещает африканские страны для рисования диких животных.
Часто выставляется, его картины находятся во многих музеях, галереях и частных коллекциях, продаются на аукционах, где имеют высокую стоимость.
Daniel Smith получал множество наград от разных обществ защиты животных, а также несколько раз был выбран как «Художник Года» природоохранными организациями разных стран.
На протяжении всей своей карьеры художник прикладывает много усилий для привлечения внимания к охране природы и сохранению ее уникальности и разнообразия, чувствуя себя в долгу перед дикой природой нашей планеты, откуда он черпает вдохновение для своих картин.
Мир дикой природы. Художник Daniel Smith
Акварельные шедевры Бернхарда Фогеля (Bernhard Vogel)
Австрийский художник Бернхард Фогель (Bernhard Vogel), родившийся в 1961 году в Зальцбурге, известен своими выразительными акварельными городскими пейзажами. Его работы отличаются мастерским использованием линии и перспективы, а также насыщенными текстурами и нюансами цвета, что позволяет передать драму и загадочность городского ландшафта .
Уже в средней школе Бернхард настолько прочувствовал особое творческое чувство, что сравнивал его с чувством влюбленности. У него всегда было большое желание рисовать, и оно помогало осваивать новые методы.
Однако последующий жизненный этап сложился более в коммерческом направлении, коего придерживалась его семья. Внешних стимулов для сосредоточения на живописи и искусстве было очень мало, внешнее окружение тому тоже не способствовало. В итоге, Бернхард Фогель после окончания средней школы отучился в бизнес-колледже, и начал коммерческую карьеру в семейном бизнесе.
Девять императорских корон Европы
В средневековой Европе не требовалось много территории, чтобы управлять империей. Поскольку самый маленький континент стал плавильным котлом для культурного развития (с множеством внутренних распрей по пути), многие империи возвышались и распадались, пока все они в конце концов не пали.
Большая часть сокровищ этих империй была утеряна с их падением, переплавлена или иным образом уничтожена. Однако в редких случаях короны этих давно умерших императоров сохранились до наших дней, а некоторые даже продолжают использоваться.
Вот некоторые из знаменитых корон Европы.
✨💠💎 1. Императорская корона Австрии
✨💠💎 2. Венгерская корона
✨💠💎 3. Корона Баварии
✨💠💎 4. Папская тиара
Национальный парк Какаду: в «Душе Австралии» находятся одни из старейших наскальных рисунков в мире
Примерно половина земель в Какаду — это земли аборигенов, сданные в аренду национальным паркам и совместно управляемые традиционными владельцами-аборигенами и австралийским правительством. В парке проживает около 500 аборигенов, многие из которых являются потомками различных групп из района Какаду с давними связями.
🔵 Национальный парк Какаду —
объект Всемирного наследия ЮНЕСКО
Субтитры на youtube
Парк расположен в районе рек Аллигаторов Северной территории. Хотя в этом районе нет аллигаторов, Филипп Паркер Кинг, английский мореплаватель, давший названия трем рекам, неправильно идентифицировал большое количество крокодилов.
🔵 Первые исследователи и торговцы
Первыми людьми, посетившими северную Австралию и поддерживавшими с ней постоянные контакты , были макассаны из Сулавеси, которые отправились в северную Австралию, чтобы собирать морские огурцы, панцири черепах и жемчуг для торговли у себя на родине.В начале девятнадцатого века британцы предприняли попытку основать поселения на северном побережье Австралии, поскольку они были полны решимости закрепиться на этой территории перед французами и голландцами, однако впоследствии все их поселения были заброшены из-за нехватки воды и свежей пищи, болезней и изоляции.
Внутри крупнейшего в истории мошенничества с произведениями искусства
Десятилетняя схема подделок заманила в ловушку самого известного канадского художника-аборигена, рок-музыканта, ставшего сыщиком, и несколько ведущих музеев. Вот как следователи раскрыли невероятную аферу.
Мориссо, которому тогда было около 60 лет и который страдал болезнью Паркинсона, был самым важным художником в современной истории коренных народов Канады — «Пикассо Севера». Он в одиночку изобрел школу искусств Вудлендс, которая соединила европейские и коренные традиции для создания поразительных, ярких изображений с толстыми черными линиями и красочными интерьерами людей, животных и растений, как будто их просвечивали рентгеном, и их внутренности были видны и наполнены необычными узорами и формами. Он был одним из первых художников-аборигенов, привлекших внимание всей страны, и первым, чья персональная выставка прошла в Национальной галерее Канады в Оттаве. «Немногие выставки в истории канадского искусства вызвали такой мгновенный резонанс», — восторгалось канадское издание журнала Time после распроданной дебютной выставки Мориссо в Торонто в 1962 году.
К 2001 году картины Мориссо регулярно приносили тысячи долларов на рынке. Работы, которые он теперь отрицал, были не исключением. Аукционист рекламировал их как принадлежащие руке Мориссо и утверждал репортеру, писавшему о споре, что, хотя он получил картины от неизвестного продавца, у него нет причин сомневаться в их подлинности — он уже продал 800 из них без единой жалобы покупателя.
Мориссо, хотя и был справедливо возмущен, не был удивлен тем, что подделки его работ продавались на открытом рынке как подлинные. Еще в 1991 году Toronto Star сообщила, что художник жаловался на то, что его «обманывают» мошенники. Но в течение многих лет канадские правоохранительные органы мало что делали для расследования заявлений художника о том, что фальсификаторы подражают его работам. В конце концов, столкнувшись с этим бездействием, адвокаты Мориссо посоветовали ему уведомить галереи и аукционистов о том, что они продают подделки, и предупредить их, что они могут стать предметом судебного запрета, гражданского иска или уголовного обвинения. Тем не менее продажи продолжались.
Только в прошлом году, более чем через 15 лет после смерти художника от осложнений, связанных с болезнью Паркинсона, маловероятный консорциум следователей во главе с полицейским из отдела убийств из небольшого города Тандер-Бей, Онтарио, наконец, раскрыл схему обмана Морриссо. Даже сам художник не мог себе представить масштаб мошенничества, которое как по количеству поддельных картин, так и по прибыли, полученной от их продажи, было, вероятно, крупнейшим мошенничеством с произведениями искусства в истории — не в Канаде или Северной Америке, а где-либо еще в мире.
Мориссо родился в начале 1930-х годов. В соответствии с традициями анишинабе, он был воспитан бабушкой и дедушкой по материнской линии в резервации недалеко от Тандер-Бей, принадлежащей анишинабе. Резервации были (и в значительной степени остаются) небольшими, бедными, непродуктивными землями, где канадское правительство заставило коренных жителей жить. Бабушка Мориссо была католичкой, а его дедушка, шаман, научил его духовным традициям своего народа. Слияние белой и коренной культур, а не их разделение, определило жизнь и творчество Мориссо.
Когда Мориссо было 6 лет, канадские власти похитили его и отправили в школу-интернат. Эти печально известные школы-интернаты были созданы федеральным правительством в конце 19 века. Как и их коллеги в Соединенных Штатах, коренные студенты были лишены своего языка, культуры, общинных и семейных связей и насильно ассимилировались в доминирующую белую христианскую культуру. В обеих странах студенты также часто подвергались физическому, сексуальному и эмоциональному насилию, и Мориссо позже сказал, что он пережил сексуальное насилие в школе — среди событий, которые нанесли ему длительный психологический и эмоциональный ущерб, сделав его уязвимым для пристрастий к алкоголю и наркотикам.
К 10 годам Мориссо вернулся в уединение своих бабушек и дедушек и стал начинающим художником, рисуя и раскрашивая запрещенные вещи. В традиции анишинабе было запрещено создавать визуальное искусство, основанное на священных устных традициях и мифах. Когда он стал серьезно относиться к своей работе, в подростковом возрасте и в начале 20-х годов, он навлек на себя критику в обществе. «Многие старейшины и [анишинабе] не соглашались с тем, что делал Норвал и что он выражал в своих картинах», — говорит Даллас Томпсон, мужчина из анишинабе, который знал одного из родственников Мориссо.
Самурайский сюрреализм: Тэцуя Ногучи
Тэцуя Ногучи — современный художник из Японии, который ставит под сомнение современность и человечность через тему доспехов и людей. В своих работах он представляет довольно реалистичные образы людей без украшений. На первый взгляд они могут показаться противопоставленными традиционному образу доспехов, учитывая, что они показывают людей, которые: неподвижны, одеты в доспехи, расслаблены, в беде, одеты в модные кроссовки или естественно одеты в доспехи с логотипом бренда на них. Его уникальное мировоззрение, в котором смешиваются различные культуры и эмоции, поддерживается широким кругом людей как в Японии, так и за рубежом.
Однако настоящее послание Ногучи - это, в конечном счете, красота и оптимизм, поскольку его самураи смотрят в будущее с невинностью и надеждой.
Блестящий балет, который принес танец в движение Баухаус
В прошлом веке Баухаус неизгладимо сформировал нашу современную среду обитания и то, как мы думаем о взаимосвязи формы и функции (он даже вдохновил концептуальные кулинарные книги ). Немецкий архитектор Вальтер Гропиус основал школу в 1919 году в Веймаре, Германия, с намерением объединить архитектуру, изящные искусства и ремесла. Школа сосредоточилась на минимализме и создании для общественного блага и привлекла таких художников и дизайнеров, как Людвиг Мис ван дер Роэ, Ласло Мохой-Надь, Василий Кандинский, Пауль Клее и Анни и Йозеф Альберс.
Мастер формы в театральной мастерской Баухауса, Шлеммер был художником, скульптором и хореографом, ответственным за малоизвестный балет Triadic Ballet, яркий, игривый танец, структурированный вокруг групп из трех человек. Дебютировавшая в 1922 году, авангардная постановка включает в себя три цвета — желтый, розовый или белый и черный — и три формы костюмов — квадрат, круг и треугольник.
«Развитие кратности трем, — говорится в объяснении MoMA , — позволило преодолеть эгоизм индивидуума и дуализм пары, подчеркнув коллективность».
В истинной форме Баухауса идея заключалась в том, чтобы устранить декоративные излишества, связанные с балетом, включая пачки, которые позволяют телам сгибаться, поворачиваться и исследовать полный спектр подвижности. Вместо этого костюмы Шлеммера ограничивают движение и добавляют современное качество, поскольку танцоры кажутся скованными и почти механическими, намекая на фокус движения на доступности посредством массового производства и превращения «искусства в промышленность».
Несколько иллюстраций Шлеммера к балету доступны в сети, включая его причудливые скульптурные костюмы с широкими, пузырчатыми юбками и яркими полосатыми рукавами. В коллекции MoMA есть принт под названием « Фигуры в пространстве », который раскрывает одну из главных тем спектакля: как тела движутся и взаимодействуют в пространстве.
🔵 Триадический балет Оскара Шлеммера - Баухаус
Как видно из полностью раскрашенного фильма танца 1970-х годов, танцоры невероятно осмотрительны, перемещаясь по редким декорациям с четкими линиями. Open Culture отмечает, что они выглядят почти как пантомимы или марионетки «с фигурами в неуклюжих костюмах, вычерчивающими различные формы вокруг сцены и друг друга».
Вышитые воспоминания: индустрия шелковых открыток времен Первой мировой войны
Эти шелковые открытки времен Первой мировой войны передавали сообщения между солдатами и их семьями. Изготовленные вручную женщинами-вышивальщицами вблизи линии фронта, они являются прекрасными примерами сентиментальности и военной промышленности.
Многие из этих открыток сохранились сегодня в частных коллекциях, как семейные реликвии и в музейных коллекциях, таких как наша. Однако многие не осознают, что эти прекрасные сувениры являются не только примерами сентиментальности в тяжелое военное время, но и мастерством, наряду с массовым производством и промышленностью.
Вышитые вручную шелковые изделия обрамлялись картонной бумагой с несколькими краткими сообщениями на обороте. Иногда с карманом, сделанным для хранения записки, а иногда открытку оставляли пустой и вставляли в рамку те, кто был дома, для показа и памяти, так как многие из тех, кто отправлял эти сувениры, вероятно, так и не вернулись домой. Их тонкое мастерство скрывало ужасающие условия, с которыми сталкивались солдаты, живущие в окопах, и защищало их близких от реальности жестокой войны, в которой погибло так много людей.
✅ Как изготавливались эти шелковые
открытки времен Первой мировой войны?
Хотя открытки были сшиты вручную, они производились массово . Узоры многократно вышивались на длинных полосах шелковой сетки женщинами, работающими дома. После завершения их отправляли на фабрики в таких городах, как Париж, для отделки. Там их разрезали на отдельные части и наклеивали на открытки. На этом этапе можно было добавлять украшения — например, некоторые открытки имели карман, который открывался, чтобы показать вышитый шелковый носовой платок, аккуратно сложенный внутри в качестве подарка получателю.
Эти шелковые открытки были недешевы. Дефицит бумаги и чернил во время войны поднял их цену, и в сочетании со стоимостью шелка и рабочей силы стоимость открыток могла составлять от 1 до 3 франков. Это было примерно дневным жалованьем для многих солдат низшего звена.
Несмотря на относительно высокую стоимость, шелковые открытки были привлекательной покупкой. За всю войну было изготовлено около 10 миллионов открыток, что говорит о наличии устойчивого рынка среди военнослужащих на фронте.