Картины китайского художника Huang Zhong Yang

Сегодня галерея еще одного китайского мастера. Китай поражает темпами роста талантливых художников. Если такая динамика будет продолжаться и далее, то европейские художники отойдут на второй план. Кто-то скажет, что у китайцев пока что слишком однообразные работы, в основном в стиле реализма, а иных авторов порой трудно отличить друг от друга… Думаю, это лишь ПОКА. Пресытившись всеми направления реализма, китайские мастера в недалеком будущем начнут выдавать потрясающие работы во всех прочих стилях и направлениях. Время покажет…

Художник Huang Zhong Yang родился в городе Гуанчжоу, что в Китае, в 1949 году. В восемь лет он начал обучение традиционной китайской живописи и чистописанию. Преподаватели были восхищены его талантом, ему пророчили большое будущее. В период Культурной революции Huang Zhong Yang совместно со совей сестрой и двумя братьями вынужден был оставить обучение в школе и пойти на работу в поле. Однако, бедность в последующие десяти лет не подавила в нем натуру художника, он не бросал рисовать. В окончании Культурной революции Huang поступил в Академию Народного творчества провинции Гуандун, далее закончил ее и стал работал преподавателем в период с 1981 года по 1984-й. В этом же, 1984-ом год, ему подвернулась возможность переехать на постоянное место проживания в Канаду. Он воспользовался этой возможностью. Канада предоставила Huang Zhong Yang большие возможности для своего самовыражения в художестве, и теперь китайский мастер известен не только лишь в Канаде, но и во многих других странах.

Монгольский художник Заясайхан Самбуу (Zayasaikhan Sambuu)

Заясайхан Самбуу сочетает в себе монгольскую традиционную живопись с современным международным искусством. Его уникальный метод использования акварельных красок, гуаши, кисти и смешанной техники масла на холсте позволяет ему иллюстрировать древнюю культуру и наследие Монголии и кочевых народов Центральной Азии. Хотя его работы в основном состоят из сцен из древней повседневной жизни и экзотических портретов природы, он соединяет дух кочевого монгольского искусства с тибетскими и японскими традиционными художественными техниками.

Используя разные методы и изучая разные культуры, Зая работает над созданием своего собственного жанра, который позволяет ему предложить мир античности в современном искусстве. Поэтому его работы не являются ни слишком конформистскими, ни слишком современными, они являются мостом между традиционным и современным искусством. Простота кочевого быта и его связь с дикой природой всегда является основной темой его произведений.

Эти темы всегда изображены в его картинах с необычайно четкими линиями и фактурами, а также визуально сильными, часто теплыми, но слегка темными, яркими цветами. Его картины содержат женские фигуры в сопровождении диких зверей или животных, которые символизируют связь красоты с природой. Его женские персонажи кажутся очень величественными и аристократичными и часто изображают королев и принцесс. Их костюмы и прически тщательно изучены на основе традиционной моды монгольской кочевой аристократии.

Викто Нгай (Victo Ngai) — американский иллюстратор

Викто Нгай (Victo Ngai) — американский иллюстратор, выросшая в Гонконге. Ее работы характеризуются как очень подробные и точные, со ссылками на рисунки из комиксов, иллюстрации из классических детских книг, работы японских художников и многое другое. Часто считается, что иллюстрации, созданные художником, содержат убедительные образы и уникальный стиль.

Красочные многослойные иллюстрации Victo Ngai, наполненные неожиданными деталями. Точно структурированное пространство композиций разворачивает перед зрителем ландшафт, необремененный человеком - а там может оказаться лягушка с раскрытой пастью, в которой еще один пейзаж – уже городской.

Каждая сцена вдохновляет зрителя на внимательный просмотр, чтобы убедиться, что они не пропустили фигуру ключевого персонажа, который мог бы объяснить запутанный и сложный рассказ рисунка.

Красочный мир испанского художника Хуана Ромеро (Juan Romero)

Juan Romero (Хуан Ромеро) родился в Севилье в 1932 году. Обучался живописи в Севилье, в колледже Св. Елизаветы Венгерской. С 1957 по 1972 год жил в Париже. Затем перебрался в Мадрид, но связи с родной Севильей не терял, здесь у него проходили постоянные персональные выставки. Многие из его работ размещены в испанских и зарубежных музеях. Кроме того, художник известен как иллюстратор многочисленных книг различных авторов. Удивительно, что ни разу я не встретила на просторах интернета его яркие творения.

Хуан Ромеро — художник, который свыше шестидесяти лет развивал свой собственный путь в искусстве (живописи), где он показал, что не только имеет свой специфический и узнаваемый язык выражения, свой стиль, но сверх того — создал свой собственный удивительный мир, полный креативности, и внес свой индивидуальный вклад в искусство, что делает его одним из самых значительных современных художников Испании.

Позитивные, радостные и красочные работы художника могут служить источником вдохновения для всех работающих в декоративно-прикладном искусстве, а также для всех творческих людей, любящих батик, пэчворк, роспись и валяние.

Искусство аборигенов Австралии

Зародилось искусство в процессе многовекового заселения континента и на сегодняшний день подразделяется на две группы: искусство с элементами реализма и условно-геометрическое.

Австралийский аборигенов называют самой древней из живущей на нашей планете Культур!

Слово «абориген» произошло благодаря английским колонистам и дословно обозначает «от начала». На сегодняшний день, это самая мало изученная культура на Земле, и она представляет собой множество загадок, на которые ученым еще предстоит найти ответы.

Австралийские художники-аборигены рисовали и продолжают рисовать красочных рыб, зверей, птиц, иногда людей, при этом наряду с внешними деталями изображаются и внутренние органы — позвоночник, пищевод, сердце, печень. Это так называемый стиль «рентгеновских снимков», который показывает заинтересованность местных аборигенов в расширении своих знаний об анатомии представителей животного мира и самих людей. Кроме того, подобное доскональное отображение «съедобной дичи» является , и по сей день, своего рода магическим действием и обеспечивает успех на охоте, как и много веков назад.

Рисунки, которые я хотела бы предложить вам посмотреть, были обнаружены частично на пилонах под автодорожными мостами и на стенах зданий, имена и лица их авторов канули в лето, к большому сожалению... Другая часть рисунков принадлежит кисти самобытных художников-аборигенов, известных, впрочем, в весьма узком кругу австралийских почитателей.

Современная американская художница Карен Ноулс (Karen Noles)

Американская художница Карен Ноулс родилась в очень маленьком городке Мерна, штат Небраска. Она выросла там. Когда Карен была совсем маленькой девочкой, родители заметили и поощряли ее художественные способности. В 19 лет Карен окончила Школу коммерческого искусства Омахи. Компания Hallmark Card наняла ее в качестве иллюстратора поздравительных открыток, и она продолжала работать иллюстратором для Hallmark и других компаний в течение почти 20 лет.

Однако именно после этого жизнь Карен резко изменилась. Карен переехала на северо-запад Монтаны и провела следующие 35 лет, живя в индейской резервации Флэтхед. Здесь она создала свою семью и написала свои знаменитые картины коренных американцев, особенно детей. Карен нарисовала индейцев до и ранней резервации. Благодаря своей работе в этом направлении у Карен появилось немало последователей по всей стране. Своей тонкой работой кистью она продемонстрировала потрясающие и тщательные детали, а также изысканное и мастерское использование индейскими женщинами бисер и перья.

Карен получила шесть наград «Выбор народа» на нескольких ведущих западных художественных выставках за свои работы. Она выиграла награду за лучшее масло/акрил на выставке в музее Старого Запада в Шайенн Фронтир Дэйс. Ее работы выставлялись во многих престижных западных художественных музеях, включая музей Эйтельйорг. О Карен сообщалось во многих публикациях, включая Art of the West и Appaloosa Journal. В настоящее время ее работы выставляются в галерее Settlers West в Тусоне, штат Аризона, в галерее West Lives On в Джексоне, штат Вайоминг, в галерее Wind River в Аспене, штат Колорадо, и в галерее Indian River в Лас-Вегасе, штат Невада.

Иллюстрации открыток в стиле народного искусства

Серия красочных иллюстраций открыток в стиле народного искусства, изображающих дикую природу и волшебных существ (гуашь Winsor & Newton на цветной бумаге Fabriano)

Тот, у кого серебряная кожа

Погребальная маска Псусенна I

🔵 Погребальная маска Псусенна I

Маска Псусеннеса I — золотая погребальная маска фараона Псусеннеса I (1047-1001 гг. до н.э.) XXI династии. Она была обнаружена французским египтологом Пьером Монте в феврале/марте 1940 года в некрополе Танис и в настоящее время хранится в Египетском музее в Каире.

В царских захоронениях Таниса были найдены в общей сложности четыре погребальные маски, все сделанные из золота, принадлежавшие фараонам Псусеннесу I (эллинизированный вариант оригинального египетского Пасебакенниута), Аменемопе (1001-992 гг. до н.э.), Шешонку II (887-885 гг.). до н.э.) и генерал Уэндджебауендджед (современник Псусеннеса I).

15 февраля 1940 года Пьер Монте нашел погребальную камеру Псусеннеса I и вошел в нее 21 февраля в присутствии короля Египта Фарука I. Чтобы добраться до саркофага фараона, пришлось снять огромную гранитную глыбу.

Открыв большой саркофаг из розового гранита (украденный из гробницы Меренптаха, преемника Рамзеса II), археологи обнаружили величественный гроб фараона, сделанный из цельного серебра, частично поврежденный влажностью Таниса. Вокруг саркофага находились ушабти.

В Древнем Египте серебро было дороже золота, потому что его было меньше. Нетронутая мумия фараона была украшена различными драгоценностями (30 колец, 22 браслета), напальчниками, амулетами, сандалиями и плащом, все сделано из золота.

Маска, на ныне превратившейся в скелет мумии Псусенна I, является самой сложной и богатой среди найденных на этом месте и второй по величине среди египетских погребальных масок, сохранившихся до наших дней, после знаменитой Маска Тутанхамона трехсотлетней давности, на которую он похож.

Однако Древний Египет в 11 веке до нашей эры был значительно менее богатым и могущественным. В то время как на маске Тутанхамона на задней стороне нагрудника есть иероглифические надписи с главой из Книги Мертвых, на маске Псусеннеса I их нет.

Кроме того, стекловидная паста и вставки из лазурита присутствуют только на глазах и бровях, не выделяя ни полос церемониального платка немеса, ни линий накладной бороды, ни деталей большого урео на лбу фараона.

По сравнению с несколькими килограммами золота, использованными в первой маске, маска Псусеннеса была сделана из листа золота толщиной менее миллиметра (0,6 мм), а украшение почти полностью выполнялось через разрез. Аура и накладная борода были вырезаны отдельно и применены позже. Художник придал лицу фараона идеализированный юношеский вид, сильно отличающийся от реального облика Псусенна I, реконструированного по черепу, на котором был изображен восьмидесятилетний мужчина, страдающий артритом, с разрушенными зубами.

Из-за более влажного и дождливого климата залежи в Нижнем Египте не так обильны, как в Верхнем Египте, чья сухая и пустынная среда позволяет сохранять скоропортящиеся материалы, которые обычно не сохраняются, такие как дерево, кожа, текстиль, папирус, еда и даже мумии.

Однако, несмотря на их меньшее богатство, три царские гробницы Таниса — единственные, которые были обнаружены практически нетронутыми, не считая гробницы Тутанхамона.

Несмотря на важность открытия, начало Второй мировой войны привело к тому, что оно осталось практически незамеченным, в отличие от более разрекламированного открытия Говарда Картера.

Серебряный саркофаг Псусеннеса I,
Каирский музей

Золотая погребальная маска фараона Псусеннеса I

Золотая погребальная маска фараона Псусеннеса I

Три Брейгеля

Питер Брейгель Старший, «Охотники в снегу зимой»

На самом деле их было шесть — фламандских живописцев эпохи Возрождения из большого семейства Брейгелей — два Питера, два Яна, Амбросий и Абрахам. И был еще Давид Тернис Младший — художник известный и одаренный, но вошедший в семью Брейгелей со стороны, женившись на дочери Яна Брейгеля Старшего. А мы посмотрим поближе на творчество основателей династии.

➡️ Питер Брейгель Мужицкий (ок. 1525 - 1569)

Как ещё его можно называть: Питер Брейгель Старший. Первый биограф художника Карел ван Мандер также сообщает, что современники называли Брейгеля Питер-шутник.

Кто он: основатель династии Брейгелей, автор таких шедевров, как "Охотники на снегу", "Крестьянская свадьба", "Вавилонская башня". Отец Адского и Бархатного Брейгелей. Самый выдающийся художник в этой династии.

Почему Мужицкий: потому что писал простых крестьян, с их грубыми привычками, простыми занятиями и низким юмором (последний запечатлён во всей красе в картине "Нидерландские пословицы"); потому что сам не стеснялся показывать эти грубые моменты простой жизни (например, на многих его картинах люди справляют нужду); возможно, ещё и потому, что сам был крестьянского происхождения - но это нам доподлинно неизвестно, как и многое другое в биографии Питера Брейгеля Старшего (Мужицкого).

Фрагмент картины «Нидерландские пословицы». Здесь, вероятно, зашифрованы две: «Бегать, как будто задница горит! (быть в беде, искать срочное решение проблемы - и «Поедающий огонь испражняется искрами» (опасные затеи имеют соответствующие последствия).

➡️ Питер Брейгель Адский (1564 - 1638)

Питер Брейгель Младший (Адский). «Зимний пейзаж с конькобежцами и ловушкой для птиц». 1615-1620.

Как ещё его можно называть: Питер Брейгель Младший

Кто он: сын Питера Брейгеля Мужицкого и старший брат Яна Брейгеля Бархатного

Ему было около 5 лет, когда умер его гениальный и очень популярный у коллекционеров отец. Питер Брейгель Младший и его мастерская занимались преимущественно производством копий картин Брейгеля-отца: исследователи говорят, что только картина "Зимний пейзаж с конькобежцами и ловушкой для птиц" была повторена не менее 200 (двухсот!) раз. Это не были подделки. Во-первых, Брейгель-сын не подписывал работы именем отца: всем было понятно, что это копия. Во-вторых, в то время создание копий не считалось постыдным занятием. Обычное удовлетворение покупательского спроса.

Встречаются и самостоятельные, не копирующие отцовские, работы Питера Брейгеля Младшего (Адского). Например, эта:

Питер Брейгель Младший. Бобовый король («Король пьет!»). 1620.

Почему Адский: по ошибке! В 19-м веке Питеру Брейгелю Младшему приписывали работы Якоб ван Сваненбурга, первого учителя Рембрандта. Вот у ван Сваненбурга, который подражал Босху, как раз очень много адских сцен, а у Брейгеля - хоть у отца, хоть у сына - всё больше про глупое и грубое, иногда страшное, но про здешнее, наше, земное, а вовсе не про адское. Сейчас уже разобрались - и Питера Брейгеля Младшего Адским называют всё реже.