Фигурки шамана

Шаманизм — это религиозная практика, распространенная во многих регионах мира, которая предполагает перемещение практикующего по «оси мира» — каналу связи между параллельными мирами. Шаманы достигают измененного состояния сознания либо путем автогипноза, либо с помощью психоактивных веществ для взаимодействия с миром духов. В этой галерее представлены скульптурные изображения шаманов Анд в Южной Америке, некоторые из которых датируются тысячами лет.

Караваны цветов: замысловатые повозки вардо цыганского народа Британии

Повозки вардо цыганского народа Британии

Яркие конные повозки ромов составляли культурную основу британских романичал (цыган) с середины 1800-х годов до начала 20-го века.

Эти порой роскошно выглядящие караваны были не просто уютными и теплыми домами, в которых жили цыганские семьи, постоянно находившиеся в пути. Фургон типа «вардо» свидетельствовал об экономическом положении семьи, а также поддерживал многовековой кочевой образ жизни цыганского народа.

Вероятно, первоначально их использовали странствующие артисты, и постепенно они вытеснили более старые «палатки-шатры» — палатки с каркасом из орешника, обтянутым брезентом. Они позволяли свободно путешествовать по стране и торговать всем, от лошадей до метел.

Как видно на фотографиях, фургоны-вардо сами по себе являются произведением искусства. Для их изготовления и украшения требуется настоящее мастерство и усилия. Существует шесть различных типов: Burton, Brush, Reading, Ledge, Bowtop и Openlot.

В старину семьи переезжали с фермы на ферму, занимаясь работой в зависимости от времени года. Зима была временем отдыха, обычно они останавливались неподалеку от какого-нибудь городка или крупного мегаполиса. Романи также зарабатывали на жизнь различными ремеслами, такими как жестянщики, уличные торговцы, бродячие торговцы и торговцы лошадьми. Они были известны своей зажигательной музыкой и, по слухам, могли изготовить или починить что угодно.

Повозки, как правило, были богато украшены снаружи. Чем пышнее было украшение, тем богаче была семья. Например, если повозка была покрыта сусальным золотом, это означало, что цыганская семья, владевшая ею, была особенно состоятельной.

Определенные узоры и орнаменты на вардо почти всегда были связаны с именем художника. Известный дизайн, скорее всего, означал, что его выполнил уважаемый мастер. Многие узоры были вдохновлены природой и дикой живостью, отсюда и повторяющиеся цветочные мотивы.

А как вам живётся в дороге с этими красавицами?

Конный фургон Bowtop стоит в поле в Ирландии

Интерьер фургона из Рединга, использовавшегося британскими цыганами (романичалами), передан в музей семьей из города Ру, Шотландия. Фотография сделана на закате сквозь облака.

Традиционные резные цыганские повозки для чтения

Цыганский фургон, украшенный королевским гербом Соединенного Королевства над окном и двумя традиционными цыганскими чирикло (птицами счастья) на ставнях

Потрепанная повозка, которая когда-то служила домом для цыган и которую раньше тянули лошади для передвижения по окрестностям, но, к сожалению, она больше не используется.

Сотканные истории: богатое многообразие гобеленов Паскаля Монтейля

Гобелены Паскаля Монтейля

Богатые, яркие гобелены Паскаля Монтейля изобилуют отсылками к историям со всего мира, изображая мистических, вымышленных персонажей в красочных, замысловатых нарядах или участвующих в коллективных, похожих на сны сценариях. Они не только приглашают нас к размышлению над скрытыми символами и историями, но и отличаются изысканным исполнением, иногда занимающим до года, что побуждает нас восхищаться кропотливыми, традиционными и медитативными техниками, глубоко заложенными в каждое уникальное произведение искусства. Он говорит: «Мир для меня — это Вавилонская башня с противоречивыми мыслями, эпохами, которые переплетаются. Именно это делает меня счастливым. Именно это пересечение и наложение культур я стараюсь отразить в своих работах».

Гобелены Паскаля Монтейля

Монтейл вырос в небольшой деревне на юге Франции. Ремесленные техники являются ключевой частью его семейного наследия: с одной стороны, у него есть связи с виноделами с юга Франции, а с другой — с итальянскими пекарями. В отличие от этого, обучение Монтейлу живописи и современному искусству в Высшей школе искусств Сержи-Понтуаз было в значительной степени сосредоточено на концепции, а не на ремесле. Это означало, что после окончания учебы прошло несколько лет, прежде чем Монтейл наконец смог вернуться к традиционным и ручным процессам своего прошлого.

Гобелены Паскаля Монтейля

Одна из ранних работ, выполненных на заказ, стала отправной точкой для его работы с гобеленами, как он объясняет: «Я хотел изобразить изгнанников, испанских евреев в 1492 году. Чтобы изобразить изгнанников, мне нужна была кочевая техника, чтобы почувствовать их, в своем воображении, на улицах, открывая и закрывая холст на лодке или в оливковом поле, и я подумал о тканях. Я сказал себе, что возьму в руки технику гобелена из Байё». Техника, о которой он говорит, заключалась в том, чтобы «вышивать на холсте. Использовать иглу как кисть, а нитки как тюбики с краской».

Гений лаконизма Рене Грюо: женские портреты в три мазка

Гений лаконизма, женский портрет в три мазка. Иллюстратор французской моды Рене Грюо.

Рене Грюо - это парижский шик, роскошь и аристократизм. Рене Грюо - это непревзойденное мастерство: несколькими мазками передать стиль и характер, целую палитру настроений женщины. Написанные им женщины роскошны, элегантны, уверены в себе и своей красоте, достойны самого лучшего в мире.

Настоящее имя художника при рождении звучало — Ренато де Дзавальи Риччарделли Каминате граф Делла Каминате. И вполне логично, что мастер, стремящийся во всем к минимализму, еще в молодые годы "укоротил" свое полное имя, взяв девичью фамилию матери, и в историю искусства вошел как Рене Грюо (1909-2004). Именно эта фамилия красовалась на тысячах эскизов, в виде изящного вензеля, выполненного черной тушью.

Рене Грюо - иллюстратор французской моды

Рене Грюо обладал редким даром создавать цельные, законченные образы из нескольких штрихов и двух-трех оттенков, концентрируясь на главном и отметая второстепенное, и при этом, соблюдая безупречность формы и содержания.

Гений минимализма прожил без малого целый век, создавая прекрасные образы для рекламных компаний Dior, Balenciaga, Yves Saint Laurent и других модных домов Европы. Его творческие изыскания - не просто рисунки и наброски, а настоящие произведения искусства, "верх французского шарма и элегантности", которые сегодня продаются на аукционных торгах за весьма солидные деньги - от 10 долларов до 7 тысяч. Правда, иногда на арт-рынке появляются работы, написанные мастером в масляной технике. Вот их цены уже превышают $200 тысяч. А если учесть, что наследие иллюстратора составляет — более 80 тысяч рисунков, иллюстраций, плакатов и афиш, то это уже целое состояние.

🔷 По страницам биографии
знаменитого иллюстратора

Сын итальянского аристократа и французской графини родился, что называется, с золотой ложкой во рту и с карандашом в руке. Его детство прошло в атмосфере любви и роскоши. Однако семейная идиллия продолжалась недолго. После развода родителей 15 летний Рене переехал с матерью в Париж и буквально влюбился в этот необыкновенный город.

Рене Грюо в молодые годы

В двадцать лет он уже работал модельером в одном из модных домов Парижа. Однако тяга к рисованию взяла верх и Рене решил посвятить себя искусству иллюстрации. И нужно сказать, что на этом поприще он весьма быстро добился успеха.

В 1947 году пробил для Грюо звездный час. Его работы наперебой публиковали журналы и газеты. Да, что там пресса! Кутюрье, рекламисты, режиссеры, потрясенные его неординарным минималистическим стилем, - буквально все пытались заключить контракты с художником.

Большой удачей оказалось для Рене Грюо сотрудничество с Кристианом Диором, который доверил иллюстратору рекламу своих фирменных парфюмов, весьма обогатив не только творческий опыт художника, но и его кошелек.

Именно с того времени духи Miss Dior стал символизировать лебедь с жемчужными нитями на грациозной длинной шее, рука на лапе хищника, а также черный веер в руке, обтянутой белой перчаткой. И именно в тот период художник создал рекламу помады Rouge Baiser, восхитив мир таинственной улыбкой девушки в маске...

Тайная любовь Троцкого и Фриды Кало

Фрида Кало

Фрида Кало и Лев Троцкий познакомились 9 января 1937 года, когда нефтяной танкер «Рут» прибыл в порт Тампико, Мексика. На борту находились российский политик и его партнерша Наталья Седова, прибывшие после трехнедельного путешествия из Осло в страну, которая обещала им политическое убежище в то время, когда Сталин назначил награду за голову Троцкого.

Создание приюта стало возможным благодаря вмешательству художника Диего Риверы, убежденного троцкиста и очень влиятельного человека в своей стране. Он облегчил задачу президенту, даже предложив разместить ссыльных в доме, который он делил со своей женой Фридой Кало.

Портрет русского революционного политического лидера и писателя
Льва Троцкого (1879–1940), 1930-е годы

Однако в день прибытия Троцкого и Седовы в Тампико Ривера была госпитализирована, поэтому именно она — в окружении делегации правительственных чиновников и нескольких других троцкистов — отправилась их встретить. Это была их первая встреча и начало крепкой дружбы, которая на несколько месяцев переросла в романтические отношения.

Когда же расцвела любовь? По словам французского писателя Жерара де Кортанца, эксперта по творчеству Фриды Кало, для Троцкого это была любовь с первого взгляда. «Он прибывает в совершенно незнакомое место и вдруг видит молодую женщину, похожую на ацтекскую богиню, которая пользуется духами Shocking от Schiaparelli », — рассказывает он в интервью .

Этот парфюм – ключевой момент: он был очень популярен в Европе в 1930-х годах (флакон имел форму бюста и, как говорят, был вдохновлен Мэй Уэст), поэтому весьма вероятно, что Троцкий его узнал.

Голубой дом, работа Рода Уоддингтона из Кергуньи, Австралия –
Дом Фриды Кало, Мехико

Что касается Фриды, то она тоже быстро обратила внимание на русского. Говорят, что роман начался с определенной жажды мести Диего Ривере за его измену с ее сестрой Кристиной (оба часто изменяли, но его выбор в пользу ее сестры причинил ей особую боль), но Де Кортанце в своей книге « Влюбленные Койоакана» объясняет, что эта дополнительная мотивация на самом деле не была необходима.

Скульптуры Ватикана

На изображении представлена одна из статуй ангелов, украшающих Понте Сант-Анджело (Мост Святого Ангела) в Риме. Сегодня мост полностью пешеходный и является популярным местом для туристов.

Злые языки ворчали, мол, стены его переполнены колдовством и книгами о захвате мира, в подвалах замков есть камеры пыток для грешников, а после литургий алхимики готовят философский камень. Но когда музеи стали доступны для посетителей, римляне и гости Италии ахнули от восторга. А коллекционеры подсчитали, что стоимость всех произведений искусств самой маленькой страны мира превышает в 150 раз ВВП земного шара. Что же особенного хранит Ватикан? В первую очередь – это скульптуры. По подсчетам историков, на площади в 0,44 квадратных километра находится 1400 залов, двадцать двориков-музеев, хранящих более 60 тысяч произведений искусства. Здешние залы напоминают Божественную комедию Данте. Тут открывается история становления первых канонов красоты, борьба веры с человеком, а самое главное – эмоции страдания, первой любви, тоски, экстаза и вечного блаженства. Будучи в Ватикане, прежде всего, убедитесь, что рядом с вами нет заносчивого гида. Во-вторых, проверьте руки и карманы – не успели ли вы что-то невольно купить в очереди от скуки. Если вы не совершили этих двух «грехов», мы легко сможем предсказать первое впечатление от Ватикана – это ошеломляющее удивление.

Перед глазами буквально засверкает золотой шар, совершенно современная скульптура с креативными трещинами. «Ему бы вполне подошло место в просторных залах МоМА или на входе в музей Жоржа Помпиду, но не в Ватикане», – скажете вы. Однако не все так просто. В начале 90-х Святой Престол во главе с Папой Иоанном Павлом II пришли к выводу, что Ватикан нужно бы осовременить, так как тысячелетние глаза скульптур как-то слишком томно смотрят на очередное поколение посетителей. Тогда и было принято решение найти что-то современное, но с глубоким философским смыслом. Именно под эту категорию подпала скульптура Арнальдо Помодоро «Сфера в сфере» (ит. Sfera con sfera). Концепт заключался в том, что каждый человек, взглянув на медный шар, может увидеть свою роль в разрушении мира. Эти креативные трещины и есть авторская визуализация уничтожающей силы человека.

На изображении представлена скульптура "Сфера в сфере" (Sfera con Sfera) итальянского художника Арнальдо Помодоро, расположенная во дворе Пинии (Cortile della Pigna) в Ватикане.

Следом за современной скульптурой открывается еще одно удивление Ватикана – еловая шишка, или итальянская пиния. Изначально она отождествляла собой аллегорию к сотворению мира и была главной достопримечательностью парижского Марсового поля еще за два столетия до строительства Эйфелевой башни. Но в 1608 году правительство Италии решило, что скульптура душей и телом рассказывает о Риме больше, чем о Франции. Поэтому решено было перевезти бронзовую шишку в Ватикан, поближе к Бельведерскому дворцу.

На изображении представлен Фонтан делла Пинья (Fontana della Pigna), или Фонтан Шишки, расположенный в Ватикане.

Бельведерский дворец – культурный эпицентр Апостольского дворца, места жительства Папы Римского. Почему «Бельведерский» – гадать не стоит. В его стенах хранится скульптура того самого идеально сложенного древнегреческого бога солнца и света Аполлона Бельведерского. Но самый примечательный экспонат, который, как магнит, тянет туристов наклонять головы и изучать извивания змей по античному телу – скульптура Лаокоона и его сыновей в нише Музея Пия-Климента. Не так смешно со стороны наблюдать топтание посетителей возле нее, как краем уха услышать историю, что в 1506 году обычный земледелец Феличе де Фредди копал свой огород в пригороде Рима. Именно во время этой кропотливой процедуры он наткнулся на мрамор. И слава Богу, что тогда даже обычные рабочие разбирались в ценности искусства. Фредди не растерялся и мигом позвал молодого Микеланджело, который помог ему выкопать скульптуру и привести ее в презентабельный вид. Успех среди посетителей Лаокоон имеет и ныне.

«Джим и Энди»: как Джим Керри утратил себя

Джим Керри

Почти ушедший на пенсию голливудский актер объясняет, как он пришел к убеждению, что он — персонаж, которого сыграл в фильме; реальный, ныне покойный, художник, который, в свою очередь, придумал другого персонажа, которого он изображал, и в которого почти ушедший на пенсию голливудский актер также поверил. Совершенно ясно, правда? Что ж, примерно в этом и заключается завязка документального фильма «Джим и Энди: Великий Запределье», премьера которого только что состоялась на Netflix. Однако, учитывая все эти разговоры о раздвоении личности, альтер эго и подражании, возможно, будет полезно отметить некоторые ключевые моменты, чтобы не заблудиться по пути.

В 1999 году Милош Форман снял биографический фильм «Человек на Луне» с Джимом Керри в главной роли. В это десятилетие, десятилетие его стремительного взлёта, этот яркий актёр покорил зрителей (такими мировыми хитами, как «Маска», «Эйс Вентура» и «Тупой и ещё тупее») и завоевал признание критиков («Шоу Трумана»). Следующим его испытанием стала роль Энди Кауфмана. Никто не предполагал, что он отнесётся к этой роли так серьёзно.

Джим Керри

Хотя он хвастался, что никогда в жизни не рассказывал шуток, и несмотря на то, что некоторые из его появлений были направлены на то, чтобы вызвать что-то, кроме смеха, Кауфман определяется как комик. Своеобразный, или просто уникальный, но тем не менее комик. Его самые заметные выступления (включая его дебют в Saturday Night Live) можно увидеть на YouTube. Все они были выдуманы в фильме Формана, что, хотя и не является необходимым для понимания жесткости последующего документального фильма, весьма полезно. Кроме того, «Человек на Луне» — очень хороший фильм. Он прослеживает взлет и преждевременное падение Кауфмана и представляет Тони Клифтона, персонажа, рожденного его воображением и воображением Боба Змуды, его друга и сценариста, который также часто изображал его. Клифтон начинал как экстравагантный певец, который импровизировал абсурдные тексты на известные мелодии и постоянно унижал свою аудиторию.

В фильме «Джим и Энди» затворник Керри 2017 года размышляет о мотивах и последствиях этой игры, которая принесла ему «Золотой глобус» и номинацию на «Оскар». Правда, он не говорит об актёрской игре, поскольку убеждён (или, по крайней мере, хочет, чтобы люди поверили), что именно Кауфман снимал этот фильм, а его тело служило лишь посредником. То, что происходило вокруг этих явно аномальных съёмок, было задокументировано благодаря многочасовым дополнительным материалам, которые Universal запретила публиковать. Причина была проста: они боялись, что их дойная корова будет выглядеть полным идиотом в глазах зрителей. Это были их инвестиции, и они хотели их защитить.

Артемизия Джентилески: художница эпохи барокко, которая привела женщин к власти

На изображении фрагмент картины "Автопортрет в образе лютнистки" (Self-Portrait as a Lute Player) итальянской художницы Артемизии Джентилески.

Артемизия Джентилески (1597 – 1652) – тосканская (итальянская) художница, дочь и ученица Орацио Джентилески, родилась в Риме. Вначале своей биографии Артемизия Джентилески обучалась живописи у отца, затем Агостино Тасси. Он был коллегой ее отца, которого позже осудили за изнасилование еще подростка Артемизии в 1612 году.

Через несколько лет она была изображена как проститутка, жертва феминизма, героиня, а также независимая женщина своего периода. Ее жизнь была описана в нескольких новеллах, пьесах. В чисто художественных терминах, биография Джентилески стала известна благодаря ее энергичному исполнению, восхитительному использованию светотени в стиле Караваджо. На протяжении своей жизни Артемизия достигла и успеха, и славы.

В 1616 году она стала первой женщиной, вошедшей в состав Академии живописного искусства во Флоренции. Примерно в 1638 году Артемизия посетила Англию, где она считалась великой портретисткой. Среди картин Джентилески наиболее известны «Judith and Holofernes» (Уффици), «Mary Magdalen» (Флоренция), «Christ among the Doctors» (Нью-Йорк), автопортрет (Хэмптон-Корт, Англия).

Артемизия Джентилески прославилась дважды при жизни. Первый раз – мимолетной и скандальной славой, поскольку она стала главной героиней нашумевшего судебного процесса по обвинению её учителя живописи Агостино Тасси в изнасиловании. Второй раз – более продолжительной и позитивной: её признали одной из величайших художниц своего времени. Однако на протяжении веков первая слава неизменно затмевала вторую.

В 1610 году, когда ей было 17 лет, Артемизия Джентилески написала картину, которая стала одной из ее самых известных работ: ее версия «Сусанны и старцев», библейской сцены, в которой двое мужчин застают Сусанну во время купания и угрожают обвинить ее в прелюбодеянии, если она не переспит с ними.

Сусана и старики

Выражение лица и язык тела Сусаны на ее картине не оставляют места для сомнений: в отличие от других версий сцены, где молодая женщина кажется лишь немного раздраженной или даже удивленной и с кокетливой полуулыбкой, здесь можно ясно прочитать крайний дискомфорт, отвращение и страх.

Техническое совершенство картины вызвало долгие сомнения в авторстве Артемизии: подобное не могла написать семнадцатилетняя девушка; это, несомненно, работа её отца, художника Орацио Джентилески. Или, возможно, она написала её сама, но позже. Экспертное мнение давно утвердилось: это была Артемизия, и случилось это в 1610 году.

Артемизия Джентилески: Автопортрет

Это важно не только для того, чтобы признать ее ценность как художницы (в чем она не была лишена и при жизни, и в последующие столетия), но и для того, чтобы развенчать одно из наиболее распространенных о ней мнений: что ее картины, на которых женщины из различных библейских и мифологических сцен предстают в позе, отличной от обычной для живописных изображений, были своего рода местью.

Ведь, хотя художница прожила 55 лет, всё всегда связано с одним моментом её жизни: изнасилованием. Но это произошло в 1611 году, через год после написания картины «Сусанна». Оказывается, Артемизии не нужно было переживать эту травму, чтобы представить иное видение женщин, чем у других художников.

Метафизический символизм Армена Гаспаряна

Характерной чертой творчества живописца, графика и скульптора Армена Гаспаряна является метафизический символизм. Художник использует сложную систему визуальных метафор, чтобы выразить свои философские идеи и представления о мире.

Армен Гаспарян родился на юге Армении в городе Капане в 1966 году.

Творчество Гаспаряна — это метафизический символизм, отражающий размышления о бытии, о вечных вопросах человечества: кто мы и куда идём? «Метафизика — это то, чего мы не видим, нечто большее, чем физика. Поэтому в своём творчестве я использую символы и аллегории», — объясняет художник.

В его картинах оживают мотивы старинных легенд, призраки прошлого. Персонажи — арлекины, женщины, мужчины, шуты, короли и философы — задумчивые, сложные, многогранные и ёмкие.

Тempus fugit, aeternitas manet («Время летит, вечность ждёт») — написано на сайте Гаспаряна. Это выражение рассказывает нам об одной из важных тем в творчестве художника.

Красочные и выразительные картины Эми Раттнер (Amy Rattner)

Эми Раттнер (Amy Rattner) — художник-анималист из Калифорнии. Эми рассказывает о своём пути от изучения английского языка и графического дизайна до обретения своего истинного призвания как художника. Она рассказывает, как занятия акварелью во время беременности переросли в пожизненную страсть к рисованию животных — существ, с которыми она всегда чувствовала глубокую связь.

Эми рассказывает о том, что питает её творчество: от личных встреч с животными в природе до любви к японскому искусству и стилю ар-деко. Она также размышляет о том, как эксперименты придают её работам новизну и как каждое её произведение рассказывает значимую историю. Мы узнаём, что её искусство не просто визуально впечатляет — это способ выразить эмоции, воздать должное дикой природе и вызвать такое же чувство удивления в других.

Йиран Цзя - художник-фантаст, который рисует из реальной жизни

Йиран Цзя — иллюстратор из Нью-Джерси, создающая сложные работы, наполненные точными гравированными линиями, яркими сплошными цветами и эффектными композициями. Вдохновляясь научно-фантастическими комиксами 70-х, дизайном ар-деко и реальными наблюдениями, её работы часто вызывают мелодраматические чувства и эффективно доносят до зрителей послания как в вымышленном, так и в редакционном контенте.

Используя глубокие линии и яркие цвета, художница Йиран Цзя создаёт научно-фантастические произведения, проникнутые возвышенной эстетикой графического романа. Несмотря на то, что она воображает фантастические миры, которые могли бы существовать, она черпает вдохновение из реального мира.

Стиль и техника иллюстрации Йиран во многом обусловлены её искусством графики и учёбой в Пекине. Содержание её работ варьируется от научных и социальных тем до захватывающих историй. Она всегда с энтузиазмом принимает новые вызовы.